C.S.A. (CONFEDERATE STATES OF AMERICA)

TÍTULO ORIGINAL: C.S.A.: The Confederate States of America

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 29 de noviembre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Kevin Willmott

INTÉRPRETES: Greg Kirsch, Evamarii Johnson, Renee Patrick, Rupert Pate, Molly Graham, Larry Peterson, William Willmott, Greg Hurd, Ryan L. Carroll, Don Carlton, Kevin McKinney, Will Averill, Arlo Kasper, Joe Bugni, Troy Moore

MÚSICA: Kelly Werts y Erich L. Timkar

FOTOGRAFÍA: Matthew Jacobson (color y blanco y negro)

GUIÓN: Kevin Willmott

CRÍTICA:

Una historia diferente

Curiosidad planfetaria y tramposa, que juega a desarrollar una Historia virtual sin el menor rigor, incidiendo en aquellos aspectos que más interesan al director y obviando cualquier posible variación que se aleje de sus pretensiones, a saber: remarcar el racismo imperante en buena parte de la sociedad estadounidense, principalmente en el sur, amén de provocar todo lo que se pueda.  Una pena, porque la premisa de partida era muy interesante, pero la cinta se pierde en su afán por criticar, excediéndose en metraje y revanchismo.

En fin, como rareza puede verse, pero es demasiado reiterativa.  Destacar la sorpresa que guardan los títulos de crédito finales (estos americanos...).

EL TRUCO FINAL (EL PRESTIGIO)

TÍTULO ORIGINAL: The Prestige

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 3 de abril de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU., Gran Bretaña

AÑO: 2006

DIRECCIÓN: Christopher Nolan

INTÉRPRETES: Hugh Jackman, Christian Bale, Scarlett Johansson, Michael Caine, David Bowie, Piper Perabo, Andy Serkis, Rebecca Hall, Ricky Jay, Samantha Mahurin, Daniel Davis, Jim Piddock, Christopher Neame, Mark Ryan, Roger Rees

MÚSICA: David Julyan

FOTOGRAFÍA: Wally Pfister (color)

GUIÓN: Christopher y Jonathan Nolan, basado en la novela de Christopher Priest

CRÍTICA:

Prácticamente magia

Reconozco que tal vez soy muy duro a la hora de puntuar esta película, pero es que ya estoy muy harto de tanta y tanta mediocridad vendida como supuesta obra maestra, así que le toca pagar el pato al señor Nolan, autor que, no obstante, me parece de lo mejorcito que ha dado el cine estadounidense en los últimos años (ahí está "Memento" o sus dos películas sobre Batman, sobrevaloradas, pero muy interesantes).  Tampoco es que esta cinta en cuestión sea nada del otro mundo: meramente entretenida, su excesivo metraje llega a cansar; los actores se limitan a cumplir (esta chica, la Johansson, con su eterna cara de sorprendida, boca entreabierta, debería ampliar su gama gestual), y, en el apartado técnico, tampoco hay nada destacable.

Pero, como siempre, críticos especializados y público en general se rinden en masa a cualquier producto que se salga algo de los parámetros esperados, a cualquier guión tramposo y mínimamente original, y enarbolan la bandera de la exageración y del descubrimiento con tanta frecuencia que pareciera que las obras maestras inundaran las pantallas de medio mundo constantemente, cuando en la última década las películas realmente grandes pueden contarse con los dedos de una mano.

En fin, que otra medianía más.  Allá cada cual.

NINE

TÍTULO ORIGINAL: Nine

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 23 de enero de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU., Italia

AÑO: 2.009

DIRECCIÓN: Rob Marshall

INTÉRPRETES: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Judi Dench, Penélope Cruz, Kate Hudson, Nicole Kidman, Sophia Loren, Stacy Ferguson (tcc Fergie), Ricky Tognazzi, Giuseppe Cederna, Elio Germano, Andrea Di Stefano, Roberto Nobile, Romina Carancini, Alessandro Denipotti, Alessandro Fiore

MÚSICA: Andrea Guerra y Maury Yeston

FOTOGRAFÍA: Dion Beebe (color)

GUIÓN: Michael Tolkin y Anthony Minghella, basado en el musica de Broadway escrito por Arthur Kopit, Maury Yeston y Mario Fratti, inspirado a su vez en la película de Federico Fellini de 1.963 "Fellini ocho y medio".

CRÍTICA:

Demasiado profundo

El problema de "Nine" es que Rob Marshall no es Bob Fosse.  Y es que, para realizar un musical sobre temas tan trascendentes como el sentido de la vida, la inspiración, el Arte o el amor no basta con contratar a una pléyade de estrellas: hay que comprometerse, quitarse de la cabeza las posibles y esperadas nominaciones a los Oscars y, sobre todo, hay que sentir lo que se está contando.  Así, lo que en "All that Jazz" es un espíritu torturado y desgarrado, un grito que sale de dentro, aquí son meros fuegos de artificio al servicio de un espectáculo que sólo busca el impacto instantáneo.

El problema de "Nine" son sus pretensiones.  Nada tiene de malo un musical que busque exclusivamente entretener, sin mensajes profundos (ahí está "Cantando bajo la lluvia" -ver crítica-, toda una Obra Maestra).  Pero, para ello, no es necesario adaptar al Fellini más introspectivo y personal.  Marshall, a quien, evidentemente, todo esto le viene muy grande, monta un espectáculo de luces, sombras y sonido que pretende camuflar lo vacuo de su propuesta con una puesta en escena impactante y sin alma, donde los esfuerzos de Daniel Day-Lewis y Marion Cotillard (los mejores, con diferencia) resultan insuficientes, donde resultan demasiado evidentes las trampas del montaje para camuflar la incompetencia artística o física (la edad no perdona, ¿verdad, Sophia, Judi?), y donde sólamente el número protagonizado por Fergie, salvaje y provocativo, está a la altura de lo esperado.

El problema de "Nine" es el de la mayoría del cine actual: no hay más que lucecitas montadas para escena, júbilo hervido con trapo y lentejuela.

CRASH (COLISIÓN)

TÍTULO ORIGINAL: Crash

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: Marzo de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU., Alemania

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Paul Haggis

INTÉRPRETES: Don Cheadle, Matt Dillon, Sandra Bullock, Brendan Fraser, Jennifer Esposito, Karina Arroyave, William Fichtner, Dato Bakhtadze, Terrence Howard, Art Chudabala, Ludacris (tcc Chris Ludacris Bridges), Sean Cory, Thandie Newton, Tony Danza, Ryan Phillipe (tcc Ryan Phillippe), Loretta Devine, Michael Peña

MÚSICA: Mark Isham

FOTOGRAFÍA: J. Michael Muro (color)

GUIÓN: Paul Haggis y Robert Moresco, basado en un argumento del primero

CRÍTICA:

Vidas cruzadas

Un somero vistazo a las candidatas al Oscar a mejor película del 2.005 (78ª edición) nos permite deducir que no fue un gran año para el cine norteamericano, porque, sí, en la relación hay buenas películas (¡qué menos!), pero ninguna gran película.  De todas ellas, la que nos ocupa es, probablemente, la mejor; con esto quiero remarcar que, si bien el premio es justo en comparación con sus competidoras, probablemente sea una de las más flojas ganadoras en la historia de dicho galardón.

Siguiendo la línea marcada por Altman en la cinta que da título a la crítica, Haggis presenta un fresco sobre el racismo, la violencia y el miedo, a partir de las historias entrecruzadas de un grupo de personas de distinta raza y clase social, que se ven abocadas (obligadas) a encontrarse por decisión de un guión poco creible y efectista, pero que cuenta con momentos realmente logrados.

Mucho más optimista que "Short cuts (Vidas cruzadas)", lo mejor de esta película son un puñado de actuaciones convincentes y esforzadas, destacando el siempre solvente Don Cheadle y el normalmente poco aprovechado Matt Dillon.  Sin embargo, la imposición del mensaje final de que, en el fondo de sus corazones, la gente es buena y altruista, junto con unas ansias moralizantes que llegan a ser chirriantes, restan credibilidad a una cinta que hubiera dado más de sí con algo menos de corrección política y más de realidad.

Pese a todo, el desarrollo del guión, la acertada dirección y la buena labor de los intérpretes logran el resultado deseado, y consigue engancharnos y que le sigamos el juego.  En resumen, una cinta recomendable, inteligente incluso, pero con mucho menos calado del que sería deseable, y a la que le sobra (y perdon por la expresión) "buenrollismo".

HITMAN

TÍTULO ORIGINAL: Hitman

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 28 de enero de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU., Francia

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Xavier Gens

INTÉRPRETES: Timothy Olyphant, Dougray Scott, Olga Kurylenko, Robert Knepper, Ulrich Thomsen, Henry Ian Cusick, Michael Offei, Christian Erickson, Eriq Ebouaney, Joe Sheridan, James Faulkner, Jean-Marc Bellu, Nicky Naude, Abdou Sagna, Ilya Nikitenko

MÚSICA: Geoff Zanelli

FOTOGRAFÍA: Laurent Barès (color)

GUIÓN: Skip Woods, basado en el personaje de un video-juego

CRÍTICA:

La trampa del asesino

Rutinaria, predecible y, ¿por qué no?, entretenida película de acción, enésima adaptación de un video-juego, por lo visto.  Destinada al consumo masivo, y previsible comienzo de una franquicia, no aporta nada nuevo al género, pero, al menos, se deja ver sin demasiados problemas.  Olyphant cumple sobradamente como asesino programado multiusos, aportando carisma y presencia, mientras la Kurylenko luce palmito y figura.  En fin, que como entretenimiento descerebrado aprueba con nota, dada la calidad media de la competencia.

EL REFUGIO DE MI PADRE (IN MY FATHER'S DEN)

TÍTULO ORIGINAL: In My Father's Den

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 30 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: Nueva Zelanda, Gran Bretaña

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Brad McGann

INTÉRPRETES: Matthew Macfadyen, Miranda Otto, Emily Barclay, Colin Moy, Jimmy Keen, Jodie Rimmer, Toby Alexander, Vicky Haughton, Nicholas Hayward, Liam Herbert, Vanessa Riddell, Asher Emanuel, Matthew Chamberlain, Peter Hishon, Mabel Wharekawa (tcc Mabel Burt)

MÚSICA: Simon Boswell

FOTOGRAFÍA: Stuart Dryburgh (color)

GUIÓN: Brad McGann, basado en la novela de Maurice Gee

CRÍTICA:

De vuelta a casa

Una película sencilla, sin aspavientos ni pretensiones, basada en unas interpretaciones muy correctas y en un trabajado guión, que adolece de una preocupante falta de ritmo en su tramo inicial, pero que se compensa con un desenlace emotivo y sorprendente.  Sustentada casi en su totalidad por un convincente Macfayden y una deslumbrante Emily Barclay (un valor a seguir), su mayor inconveniente radica en su falta de homogeneidad, en sus constantes altibajos, que provocan que se pierda el interés en más de una ocasión.  Pese a ello, puede dársele una oportunidad.

EL LUCHADOR (THE WRESTLER)

TÍTULO ORIGINAL: The Wrestler

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 15 de octubre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU., Francia

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: Darren Aronofsky

INTÉPRETES: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Mark Margolis, Ajay Naidu, Todd Barry, Wass Stevens, Ernest Miller, Dylan Keith Summers, Tommy Farra, Mike Miller, Marcia Jean Kurtz, John D'Leo, Gregg Bello

MÚSICA: Clint Mansell

FOTOGRAFÍA: Maryse Alberti (color)

GUIÓN: Robert D. Siegel

CRÍTICA:

Resurrección

Pocas veces un actor ha estado tan ligado a su personaje como Mickey Rourke a Randy "The Ram" Robinson, un espejo cruel en el que el protagonista de "Manhattan Sur" ha podido enfrentarse a su patetismo, a su descenso a los infiernos y a las consecuencias, físicas y espirituales, de su declive.  Tirando de pundonor, de orgullo y de rabia, el intérprete, como su personaje, intenta sobreponerse a todo (y en ello incluyo un guión que se solaza en los clichés más manidos) para levantarse y levantar una película que, sin él y sin la espléndida Marisa Tomei, en el mejor papel de su carrera, podría haberse convertido en un telefilme con ínfulas.

Percatándose de que, por una vez, el director no podía ser la estrella, Aronofsky aparca sus ansías de protagonismo y su estudiada pretenciosidad, y pone todo su talento al servicio de un inconmensurable Rourke, tan frágil como brutal, que desprende humanidad en cada uno de sus cansados pasos (magnífica esa presentación de espaldas), arrastrándose como un zombie que vuelve a la vida buscando una nueva oportunidad.  Esperemos que esta vez no la desaproveche.

EL MAQUINISTA DE LA GENERAL

TÍTULO ORIGINAL: The General

CALIFICACIÓN: 10

Fecha de visión: 28 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.926

DIRECCIÓN: Clyde Bruckman y Buster Keaton

INTÉRPRETES: Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavender, Jim Farley, Frederick Vroom, Charles Henry Smith (tcc Charles Smith), Frank Barnes, Joe Keaton, Mike Donlin, Tom Nawn, Henry Baird, Joe Bricher, Jimmy Bryant, Jack Dempster, Keith Fennell

MÚSICA: Muda

FOTOGRAFÍA: Bert Haines y Devereaux Jennings (blanco y negro)

GUIÓN: Clyde Bruckman, Buster Keaton y, sin acreditar, Paul Girard Smith, basado en una adaptación de Al Boasberg y Charles Henry Smith (tcc Charles Smith) de los libros de William Pittenger "Daring and Suffering: a Story of the Great Railroad Adventure" y "The Great Locomotive Chase", basados en hechos reales

CRÍTICA:

El maquinista

¿Qué se puede decir de esta película que no se haya dicho ya?  Nada, absolutamente nada (hasta una sesuda y surrealista comparativa del "humanismo" de Chaplin y el "inhumanismo" de Keaton he leído por ahí).  Lo mejor, pues, para hablar de esta obra maestra, es limitarse a la experiencia propia.

Si hasta mi mujer, cinéfila de pro, pero aquejada de una grave e incurable alergia al cine mudo, se parte de risa con esta cinta; si hasta mi hermano, cuya noción del cine empieza con Steven Seagal y termina con Chuck Norris, la ve con una sonrisa en la boca, intentando disimular, hasta que no puede más y suelta una carcajada; si hasta mi amiga, furibunda feminista ("y a mucha honra", según ella), se desternilla con las escenas en que Marion Mack empuña la escoba o tira una minúscula ramita a la caldera de la locomotora; si yo mismo me levanto del sofá sintiéndome mejor persona y en paz con el mundo cada vez que termino de ver esta maravilla, entonces es que no cabe duda: estamos ante una Obra de Arte.

PLAN 9 DEL ESPACIO EXTERIOR

TÍTULO ORIGINAL: Plan 9 from Outer Space

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 16 de julio de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.959

DIRECCIÓN: Ed Wood (tcc Edward D. Wood, Jr.)

INTÉRPRETES: Bela Lugosi, Vampira, Lyle Talbot, Gregory Walcott, Mona McKinnon, Duke Moore, Tom Keene, Tor Johnson, Carl Anthony, Paul Marco, Ed Wood (tcc Edward D. Wood, Jr.; sin acreditar), Dudley Manlove, Joanna Lee, John Breckinridge, David De Mering

MÚSICA: Emil Ascher (sin acreditar)

FOTOGRAFÍA: William C. Thompson (blanco y negro)

GUIÓN: Ed Wood (tcc Edward D. Wood, Jr.)

CRÍTICA:

Ed Wood

Defenestrada como la película enseña del llamado peor director de todos los tiempos (quien denominó así a Ed Wood no conocía, sin duda, la excelsa filmografía de Bruno Mattei) , reconocida gracias al maravilloso biopic que Tim Burton realizó a mediados de los noventa, famosa por ser la última aparición en pantalla de Bela Lugosi, resulta obvio que todo lo que se ha dicho sobre la escasa calidad de este filme, sin ser falso, es una exageración.  Ojo, no estoy diciendo que sea buena, ni siquiera pasable (es REALMENTE MALA), pero estoy seguro que todo el mundo ha visto alguna película mucho peor que esta.

Recomendable aunque sólo sea por disfrutar del olor a rancio que desprende, entrañable en su patetismo, debo reconocer que tal vez no sería tan clemente con esta cinta de no haberme conmovido tanto la citada biografía de Tim Burton y la prodigiosa interpretación de Johnny Depp en esa cinta, pero, aunque no fuera así, me remito a lo ya dicho: es una película horrorosa, paupérrima en todos los sentidos, pero ¿la peor de la historia del cine?  ¡Anda ya!

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO

TÍTULO ORIGINAL: Before the Devil Knows You're Dead

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 24 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU., Gran Bretaña

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Sidney Lumet

INTÉRPRETES: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney, Aleksa Palladino, Rosemary Harris, Michael Shannon, Amy Ryan, Sarah Livingston, Brian F. O'Byrne, Blaine Horton, Lee Wilkof, Arija Bareikis, Leonardo Cimino, Damon Gupton

MÚSICA: Carter Burwell

FOTOGRAFÍA: Ron Fortunato (color)

GUIÓN: Kelly Masterson

CRÍTICA:

Dos hermanos

Voy a tener que dejar de leer las críticas antes de ver una película, porque, al final, siempre me pasa lo mismo: salvo contadas ocasiones, si son malas, el resultado final no me parece tan nefasto como me anticipaban; y, si son buenas, quedo bastante defraudado, preguntándome qué me he perdido que todos los demás han sabido ver.

Este es el caso de la cinta que nos ocupa, que tenía, en principio, todos los ingredientes para convertirse en una de mis películas de cabecera (Lumet, Hoffman, Finney...), que había sido considerado, por votación de los críticos, el mejor filme de su año..., y yo no veo más que un producto correcto, funcional, del montón, bastante menos interesante, por ejemplo, y hablando del mismo director, que "La noche cae sobre Manhattan".  En fin, si tengo ocasión de volver a verla en un pase televisivo, tal vez le dé una segunda oportunidad, pero...

Decididamente, voy a tener que dejar de leer las críticas antes de ver una película...

ZOMBIES

TÍTULO ORIGINAL: Wicked Little Things

CALIFICACIÓN: 2

Fecha de visión: 20 de marzo de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: J. S. Cardone

INTÉRPRETES: Lori Heuring, Scout Taylor-Compton, Chloe Moretz, Geoffrey Lewis, Velizar Binev, Ben Cross, Chris Jamba, Craig Vye, Julie Rogers, Michael McCoy, Helia Grekova, Martin McDougall, George Zlatarev, Atanas Srebrev, Vladimir Mihailov

MÚSICA: Tim Jones

FOTOGRAFÍA: Emil Topuzov (color)

GUIÓN: Ben Nedivi, basado en un argumento de Boaz Davidson

CRÍTICA:

Mamá es boba

No me extraña lo más mínimo que el ínclito Tobe Hooper, inicialmente previsto como director de esta cosa, decidiera tomar las de Villadiego y quitarse de enmedio, no sea que su nombre quedara unido a semejante truño para siempre (mala suerte, muchacho: pese a todo, en muchos sitios esta memez es conocida como "Tobe Hooper's Zombies").  Y mira que el realizador de "La matanza de Texas" no se caracteriza, precisamente, por la calidad de sus propuestas, pero hasta él tuvo claro que con este guión no había posibilidad alguna de conseguir un resultado final medianamente decente.

En fin, que lo mejor -y lo único aterrador- de esta película es, con diferencia, el cartel anunciador; el resto, desde las interpretaciones hasta el menor de los detalles técnicos, es, sencillamente, abominable, destacando el personaje de la madre desnaturalizada (para denunciarla directamente a los servicios sociales), absolutamente lerdo, estúpido e incoherente.

A olvidar pero ya.

MILLION DOLLAR BABY

TÍTULO ORIGINAL: Million Dollar Baby

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 13 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Clint Eastwood

INTÉRPRETES: Hilary Swank, Clint Eastwood, Morgan Freeman, Anthony Mackie, Jay Baruchel, Mike Colter, Lucia Rijker, Brian F. O'Byrne, Margo Martindale, Riki Lindhome, Michael Peña, Benito Martinez, Bruce MacVittie, David Powledge, Joe D'Angerio

MÚSICA: Clint Eastwood

FOTOGRAFÍA: Tom Stern (color)

GUIÓN: Paul Haggis, basado en un argumento de F. X. Toole

CRÍTICA:

Más dura será la caída

Cuando en 1.992 Clint Eastwood realizó la maravillosa "Sin perdón", a la que siguieron las no menos prodigiosas "Un mundo perfecto" y "Los puentes de Madison", aquellos que ya nos habíamos rendido a sus historias con la muy recomendable "Bird", vimos nuestras esperanzas frustradas durante siete u ocho largos años en los que el director estuvo dando bandanzos con películas mediocres y menores ("Deuda de sangre", "Poder absoluto", "Ejecución inminente", "Space cowboys"...), hasta que, por fin, retomó su senda perdida con "Mystic River" y el filme que ahora nos ocupa, y que -no he visto "Invictus" ni el díptico sobre la II Guerra Mundial-, mantuvo después con esas dos maravillas que rodó en 2.008.

Resulta notorio como un hombre de ideas republicanas como es este director, está realizando, dentro de la industria de Hollywood, las películas más liberales y menos conservadoras de los últimos años.  Con "Million Dollar Baby" se embarcó en un filme que iba a chocar frontalmente con la retrógrada sociedad estadounidense, por los valores que defiende, y que Eastwood afronta con valentía y sinceridad, creando una emotiva historia de amor, retratada con una clase y elegancia que pocos o ningún realizador actual podría igualar, y que le enmarcan como el último director clásico vivo.

Es esta la obra de un genio, arropado en su labor por las intensas y desgarradoras interpretaciones de una enorme Hilary Swank y del mejor Freeman; en el apartado técnico, merece destacarse la extraordinaria, en su sencillez, banda sonora que el propio Eastwood crea para su película.

Una gran cinta, una filme imprescindible.

SERENITY

TÍTULO ORIGINAL: Serenity

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 22 de septiembre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.005

DIRECCIÓN: Joss Whedon

INTÉRPRETES: Nathan Fillion, Gina Torres, Alan Tudyk, Morena Baccarin, Adam Baldwin, Jewel Staite, Sean Maher, Summer Glau, Ron Glass, Chiwetel Ejiofor, David Krumholtz, Michael Hitchcock, Sarah Paulson, Yan Feldman, Rafael Feldman

MÚSICA: David Newman

FOTOGRAFÍA: Jack N. Green (color)

GUIÓN: Joss Whedon, basado en la serie "Firefly", creada por él mismo

CRÍTICA:

Miranda

Rutinario y poco interesante filme de ciencia-ficción, realizado como colofón a una serie que fue suprimida por su bajo nivel de audiencia.  Tal vez sea debido a eso, pero el caso es que los personajes y la trama nunca terminan de estar definidos, apenas esbozados; sin duda, los seguidores de la susodicha serie tienen más elementos de juicio sobre las motivaciones y la personalidad de los protagonistas, pero, para quien se enfrenta a esta cinta sin haber visto nada anteriormente, el resultado, sin ser caótico, no tiene tampoco mucha coherencia.

En fin, que como película en sí, es bastante prescindible.

EL BOSQUE

TÍTULO ORIGINAL: The Village

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 14 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: M. Night Shyamalan

INTÉRPRETES: Joaquin Phoenix, Bryce Dallas Howard, William Hurt, Sigourney Weaver, Adrien Brody, Judy Greer, Brendan Gleeson, Cherry Jones, Michael Pitt, Celia Weston, Jayne Atkinson, John Christopher Jones, Fran Kranz, Frank Collison, Jesse Eisenberg, M. Night Shyamalan

MÚSICA: James Newton Howard

FOTOGRAFÍA: Roger Deakins (color)

GUIÓN: M. Night Shyamalan

CRÍTICA:

Mentiras piadosas

El cine de M. Night Shyamalan viene lastrado por el extraordinario éxito de crítica y público de "El sexto sentido" (una cinta, por cierto, tramposa y prodigiosa, se mire por donde se mire, y cuyo único pero es que ha permitido a Haley Joel Osment hacer más películas -sólo Dakota Fanning es aún más insufrible).  Desde entonces, se exige -y él mismo se autoexige, es evidente- al director que logre un producto tan impactante y redondo como aquel.

"El bosque", una maravillosa historia sobre el miedo y sobre el amor, no se libra de la alargada sombra del filme protagonizado por Bruce Willis, y muchas de las críticas que recibe vienen motivadas por su comparación con aquella cinta; es cierto que no llega al nivel de la película citada, pero es una propuesta muy estimulante en sí misma y, es también, en muchos aspectos -por ejemplo, el interpretativo-, mucho más compacta.

Pero es, además, una inquietante parábola sobre los límites del poder, sobre el gobierno del pueblo sin el pueblo, sobre la sumisión bovina de la sociedad a las mentiras, supuestamente piadosas, de unos cuantos elegidos.  "Lo hacemos por tu bien", "nosotros sabemos lo que te conviene", "nunca entres en el bosque"...  El miedo a lo desconocido, al otro, al extraño,  siempre ha sido el mayor de los miedos, y de eso se valen las clases dirigentes para mantener encadenado al común de los mortales.  Un mensaje descorazonador que subyace en una película que es mucho más de lo que parece.

OLD BOY

TÍTULO ORIGINAL: Oldeuboi

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 27 de julio de 2.009

NACIONALIDAD: Corea del Sur

AÑO: 2.003

DIRECCIÓN: Park Chan-wook

INTÉRPRETES: Choi Min-sik, Yu Ji-tae, Kang Hye-jeong, Oh Dal-su, Ji Dae-han, Kim Byeong-ok, Lee Seung-Shin, Yun Jin-seo, Lee Dae-yeon, Oh Kwang-rok, Oh Tae-kyung, Ahn Yeon-suk, Oo Il-han, Kim Su-kyeon, Lee Seung-jin

MÚSICA: Shim Hyun-jung

FOTOGRAFÍA: Chung Chung-hoon (color)

GUIÓN: Park Chan-wook, Hwang Jo-yun, Lim Joon-hyung y Lim Chun-hyeong, basado en un argumento de Garon Tsuchiya, a partir de un manga de Nobuaki Minegishi

CRÍTICA:

Venganza sin límites

Una cosa está clara: "Old boy" no es plato para todos los estómagos.  Hay que tener una cierta propensión al morbo, a lo extremo, a la violencia, para degustar esta despiadada y extravagante propuesta.  No sería una película que yo recomendaría a según qué personas, y comprendo, por tanto, a quienes la denigran y a quienes, sencillamente, no la soportan.

Pero, como para bien o para mal, tengo cierta propensión al morbo, a lo extremo y a la violencia cinematográfica, no me queda más que rendirme a la extraordinaria golosina que Park Chan-wook nos ofrece, una delirante bajada a los infiernos de una venganza dentro de otra venganza; aquí nadie pone la otra mejilla, aquí nadie se arrepiente, aquí sólo priman los instintos más básicos y animales.

Hay que ver esta película con la mente abierta y bastante permisibilidad hacia lo que se nos cuenta; hay que estar dispuesto a disfrutar de cada vericueto del guión, a dar por hecho lo imposible, a empatizar con personajes crueles, malvados o directamente enloquecidos.  Hay que disculpar que se nos cuele una escena de video-juego en mitad de la película (esa pelea en el pasillo lleno de secuaces, armado con un martillo), y hay que saber soltar una carcajada en el momento justo (ese ascensor que se abre, justo al terminar la pelea).

Si se entra a estos trapos, se disfrutará de una de las películas más originales y, por otro lado, más desgarradoras de los últimos tiempos.  Si lo que buscas es cine clásico, lógico, coherente, mejor no adentrarse en esta locura.

CAFÉ IRLANDÉS

TÍTULO ORIGINAL: The Snapper

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 10 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: Gran Bretaña

AÑO: 1.993

DIRECCIÓN: Stephen Frears

INTÉRPRETES: Colm Meaney, Tina Kellegher, Ruth McCabe, Brendan Gleeson, Eanna MacLiam, Peter Rowen, Joanne Gerrard, Colm O'Byrne, Ciara Duffy, Fionnuala Murphy, Dierdre O'Brien, Karen Woodley, Pat Laffan, Virginia Cole, Denis Menton

MÚSICA: No original

FOTOGRAFÍA: Oliver Stapleton (color)

GUIÓN: Roddy Doyle, basado en su novela

CRÍTICA:

Lío embarazoso

Tras un olvidable periplo por las Américas, deseosas siempre de importar lo mejor de cada cinematografía, Stephen Frears volvió a los orígenes que le habían dado fama, a las pequeñas historias que tan bien se le dan, con este retrato impecable de las miserias y las alegrías de una familia de clase obrera que se enfrenta a su drama particular con un optimismo que trasciende la pantalla para tocar al espectador.

Sin llegar a ser una maravilla (debo reconocer que me gustó más cuando la vi en su estreno, será que me estoy volviendo muy exigente), nos hallamos ante una comedia que basa toda su artillería en su sencillez, en su cotidianeidad, en lo cercano que se nos hacen unos personajes que podrían pertenecer a tu propia familia, con los que resulta imposible no empatizar.  Unos personajes perfectamente dibujados en un guión que combina con acierto drama y comedia (aunque se decanta, tal vez de forma algo utópica, por esta última), que sabe tocar la fibra sin caer en la sensiblería, y que se beneficia de unas interpretaciones realmente magníficas, sin alardes, pero que destilan realismo en cada fotograma.

Una película para no olvidar que vida no hay más que una y no vale la pena malgastarla en dramatismos ni amarguras, para saber poner al mal tiempo buena cara.

THE BURROWERS

TÍTULO ORIGINAL: The Burrowers

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 19 de enero de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: J. T. Petty

INTÉRPRETES: Doug Hutchison, Clancy Brown, William Mapother, Steph Delgado, Sean Patrick Thomas, David Busse, Karl Geary, Jocelin Donahue, Laura Leighton, Alexandra Edmo, Brighid Fleming, Christopher Hagen, Galen Hutchison, Harley Coriz, Suzi McLaughlin

MÚSICA: Joseph LoDuca

FOTOGRAFÍA: Phil Parmet (color)

GUIÓN: J. T. Petty

CRÍTICA:

El maldito Oeste (Left for Dead)

Más interesante sobre el papel que sobre la pantalla esta imaginativa mezcla de géneros, adaptación al cine, al parecer, de una serie de televisión con idéntico nombre, director y parte del elenco artístico.  Aunque, en principio, el curriculum de Petty no nos las prometía muy felices (la tercera entrega de "Mimic" y los guiones de las franquicias de videojuegos "Splinter Cell" y "Batman"), lo cierto es que realiza una labor bastante digna, eludiendo caer en la mayoría de los clichés que hoy día inundan el cine de terror, de forma que el resultado final es más un "western" con elementos sobrenaturales que una película de miedo ambientada en el Far West.

En definitiva, estamos ante una cinta meramente correcta, entretenida y que, sobre todo, presupone un mínimo de inteligencia y exigencia a sus espectadores, lo cual, visto lo que inunda las pantallas de medio mundo, ya es mucho.