LA NOCHE DE LOS GIRASOLES

TÍTULO ORIGINAL: La noche de los girasoles

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 9 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: España, Francia, Portugal

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: Jorge Sánchez-Cabezudo

INTÉRPRETES: Carmelo Gómez, Judith Diakhate, Celso Bugallo, Manuel Morón, Mariano Alameda, Vicente Romero, Walter Vidarte, Cesáreo Estébanez, Fernando Sánchez-Cabezudo, Rodolfo Sancho, Petra Martínez, Nuria Mencía, Enrique Martínez, Mariano Peña, Amalia Hornero

MÚSICA: Krishna Levy

FOTOGRAFÍA: Ángel Iguácel (color)

GUIÓN: Jorge Sánchez-Cabezudo

CRÍTICA:

Venganza ciega

Excelente el debut de Sánchez-Cabezudo, que nos narra con el brío y la fuerza de un veterano una historia de la España más negra y sangrienta, un relato de personas abocadas a la desgracia y al horror al dejar libre al animal que todos llevamos dentro, un cuento de venganzas, odios, desencanto y (también) dignidad que conforma una de las mejores películas españolas del año, junto con otra opera prima, "AzulOscuroCasiNegro", de Sánchez Arévalo.

Si el guión, la dirección, el ritmo narrativo y la puesta en escena son en esta cinta casi perfectos, no menos excepcional es el trabajo del elenco artístico, encabezados por unos magníficos Carmelo Gómez y Manolo Morón, y donde merecen destacarse las extraordinarias interpretaciones de Celso Bugallo, Walter Vidarte y Cesáreo Estébanez, absolutamente magistrales.

Una gran película y un director a seguir.

ZATHURA, UNA AVENTURA ESPACIAL

TÍTULO ORIGINAL: Zathura: A Space Adventure

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 17 de enero de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.005

DIRECCIÓN: Jon Favreau

INTÉRPRETES: Jonah Bobo, Tim Robbins, Josh Hutcherson, Dax Shepard, Kristen Stewart, John Alexander, Derek Mears, Douglas Tait, Joe Bucaro III, Jeff Wolfe

MÚSICA: John Debney

FOTOGRAFÍA: Guillermo Navarro (color)

GUIÓN: David Koepp y John Kamps, basado en el libro de Chris Van Allsburg

CRÍTICA:

Juego peligroso

Vamos a ser claros: nos hallamos, no sólo ante una película destinada casi exclusivamente al público infantil (con todo lo que ello acarrea), sino también ante una descarada copia de aquel blockbuster de 1.995 que fue "Jumanji".  Con estos mimbres, era de esperar una decepcionante pseudo-secuela al uso, un bodrio más de usar y tirar realizado meramente para llenar los cines y las arcas de algún avispado productor.

Pues bien, al contrario, nos encontramos con una cinta desbordante de imaginación, mucho más amena y emocionante que aquella estúpida sucesión de efectos especiales que dirigió Joe Johnston y, encima, sin tener que soportar las insufribles muecas de Robin Williams.  En definitiva, un entretenimiento decente y sin pretensiones que logra sorprender pese a sus evidentes limitaciones.

EL BUNKER

TÍTULO ORIGINAL: The Bunker

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 8 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: Gran Bretaña

AÑO: 2.001

DIRECCIÓN: Rob Green

INTÉRPRETES: Jason Flemyng, Andrew Tiernan, Christopher Fairbank, Simon Kunz, Andrew Lee Potts, John Carlisle, Eddie Marsan, Jack Davenport, Charley Boorman, Nicholas Hamnett, Peter O'Connor, Josh Cole, Iain McKee, Nick Rutherford, Simon Darcy (tcc Simon D'Arcy)

MÚSICA: Russell Currie

FOTOGRAFÍA: John Pardue (color)

GUIÓN: Clive Dawson

CRÍTICA:

Sin novedad en el frente

Pues eso.  Que nada nuevo bajo el sol, ni bajo la tierra, es lo que ofrece esta cinta británica, precursora de una pequeña ola británica de cine terror protagonizado por soldados, y que podría formar una trilogía con la también mediocre "Deathwatch" y la mucho más conseguida "Dog soldiers" (ver crítica), ambas del 2.002.  Aunque la idea original no está nada mal, la película se pierde en oscuros túneles embarrados que la lastran y hacen que se arrastre hacia un final previsible y anodino.  Las interpretaciones y la ambientación, correctas, no logran resucitar un guión al que le falta algo de ritmo.

Pues eso.  Que nada nuevo bajo el sol, ni bajo la tierra...

LOS IDIOTAS

TÍTULO ORIGINAL: Idioterne

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 28 de mayo de 2.009

NACIONALIDAD: Dinamarca, Suecia, Francia, Paises Bajos e Italia

AÑO: 1.998

DIRECCIÓN: Lars von Trier

INTÉRPRETES: Bodil Jorgensen, Jens Albinus, Troels Lyby, Anne Louise Hassing, Nikolaj Lie Kaas, Louise Mieritz, Henrik Prip, Luis Mesonero, Knud Romer Jorgensen, Trine Michelsen, Anne-Grethe Bjarup Riis, Paprika Steen, Erik Wedersoe, Michael Moritzen, Anders Hove

MÚSICA: No tiene

FOTOGRAFÍA: Lars von Trier (color)

GUIÓN: Lars von Trier

CRÍTICA:

Cobardes

El bautizo de Lars von Trier en el movimiento que él mismo se había encargado de fundar (en teoría, buscando realizar un cine más puro y sin artificios), y que, más tarde, él mismo se encargó de enterrar, prescindiendo de los puntos de su manifiesto que le incomodaban cuando le convenía, es esta interesante película, en la que el director danés da rienda suelta a su desmesurado afán por polemizar; ese es el mayor handicap de una cinta que olvida a veces su propia razón de ser, supeditándose a la última vuelta de tuerca que se le pasaba por la cabeza a su creador.

Y es que von Trier, un director imprescindible, se mire por donde se mire, capaz de realizar maravillas como "Rompiendo las olas" o "Dogville", egocéntrico y megalómano como sólo los genios saben serlo, se rinde en esta ocasión a la premisa de que el director es la estrella y se olvida del espectador (si este hombre no tuviera en mente constantemente a los críticos y detractores de sus filmes, todos saldríamos ganando), que tiene que soportar todos sus desvaríos, supuestamente revolucionarios y rompedores, para poder disfrutar de un final realmente demoledor, de esos que te dejan clavado en la butaca.

A pesar de todo, pese a lo repetitivo y prescindible de muchas de las escenas, y aunque sólo sea por ese final, merece la pena seguir las vicisitudes de ese grupo de hedonistas disfrazados de revolucionarios, cobardes avergonzados cuando se enfrentan a aquellos que pretenden imitar, cobardes teóricos de la revolución incapaces de llevar sus ideales a la práctica (las similitudes con los progres que pretendían cambiar el mundo en el 68 y que hoy son los mismos que se encargan de mantener el statu quo no son casuales).  Sólo el personaje de Karen (enorme Bodil Jorgensen), inicialmente deslumbrada por la libertad que encuentra, desencantada al fin, pero sin nada que perder, se mantiene firme en sus ideales, regalándonos una de las escenas más escalofriantes de los últimos tiempos.

EL NADADOR

TÍTULO ORIGINAL: The Swimmer

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 7 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.968

DIRECCIÓN: Frank Perry y (sin acreditar) Sydney Pollack

INTÉRPRETES: Burt Lancaster, Janice Rule, Janet Landgard, Tony Bickley, Marge Champion, Bill Fiore, Nancy Cushman, Kim Hunter, David Garfield (tcc John Garfield Jr.), Rose Gregorio, Charles Drake, Bernie Hamilton, House Jameson, Jimmy Joyce, Michael Kearney

MÚSICA: Marvin Hamlisch

FOTOGRAFÍA: David L. Quaid (color)

GUIÓN: Eleanor Perry, basado en un argumento de John Cheever

CRÍTICA:

Nadar solo

Una película hija de su época, coetanea de, por ejemplo, "Cowboy de medianoche" o "Danzad, danzad, malditos".  Y, como estas, la cinta es el fiel reflejo de la amargura y la desilusión de una sociedad norteamericana que ha perdido el rumbo y se ve sobrepasada por los acontecimientos (el movimiento hippie, la guerra de Vietnam, el feminismo, la lucha de la minoría negra por su integración...), incapaz tanto de mantener sus viejas estructuras y reglas como de adaptarse a las corrientes que la sacuden.

En esta coyuntura, "El nadador" es un proyecto relativamente fallido, que no termina de alcanzar las altas cotas que, presumiblemente, perseguía.  Sustentada casi en su totalidad por la más que correcta interpretación de Lancaster, la película se resiente de una dirección a la que le sobra pretenciosidad y le falta garra, con momentos que, vistos hoy, devienen ridículos, y, sobre todo, se ha visto muy afectada por el transcurso de las décadas, que ha hecho que sus plantemientos y estilo queden superados y desfasados.

Sin embargo, y pese a su pretenciosidad y falsa naturalidad, el interés que despierta la historia y los esfuerzos del actor protagonista hacen que, en líneas generales, el recuerdo que nos quede sea de una obra menor pero destacable, que, en otras manos, podría haber dado mucho más de sí.  Una pena.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

TÍTULO ORIGINAL: The Curious Case of Benjamin Button

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 4 de septiembre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: David Fincher

INTÉRPRETES: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Julia Ormond, Tilda Swinton, Faune Chambers, Jason Flemyng, Elias Koteas, Donna DuPlantier, Elle Fanning, Jacob Wood (tcc Jacob Tolano), Earl Maddox, Ed Metzger, Danny Vinson, David Jensen, Ted Manson, Jared Harris, Tom Everett

MÚSICA: Alexandre Desplat

FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda (color)

GUIÓN: Eric Roth, basado en un argumento escrito por él mismo y Robin Swicord, a partir de una historia corta de F. Scott Fitzgerald

CRÍTICA:

El final de la cuenta atrás

Hace mucho tiempo, en una de esas representaciones teatrales que echaban por televisión (eso os dará una idea de que fue realmente hace mucho tiempo -según Wikipedia, la vi ¡¡¡con seis años!!!) emitieron una obra de Jardiel Poncela que me atrapó y me marcó por lo original de su argumento y por la seriedad y tristeza que emanaban los personajes, pese a que todo se recubría con un barniz de comedia.  Esa obra, "Cuatro corazones con freno y marcha atrás" se basaba en la misma idea central que la historia corta de Scott Fitzgerald de la que parte esta película, aunque el español la escribió quince años después de que se publicara la del americano.

La cinta de Fincher no me ha marcado tanto como aquel "Estudio 1", pero, para mí, con ese argumento, ya tenía ganada la mitad de la batalla.  Su mayor problema es que el director no logra mantener el nivel durante su enorme duración (166 minutos), amén de alguna que otra concesión a la galería.  Sin embargo, en algunos momentos roza la maestría, como ese final que me provocó un torrente de lágrimas sólo superable por los cinco primeros minutos de "Up"...  Si a eso le unimos unas interpretaciones realmente memorables y la maravillosa partitura (otra más) de Desplat, podemos perdonar y olvidar los altibajos de un guión alargado en exceso y que hubiera ganado con algún que otro recorte.

Para terminar, e incidiendo en el tema principal de la película, una reflexión de Quino, el dibujante padre de Mafalda:  "… Pienso que la forma en que la vida fluye está mal. Debería ser al revés: uno debería morir primero para salir de eso de una vez.  Luego, vivir en un asilo de ancianos hasta que te saquen cuando ya no eres tan viejo para estar ahí.   Entonces empiezas a trabajar, trabajar por cuarenta años hasta que eres lo suficientemente joven para disfrutar de tu jubilación.  Luego fiestas, parrandas, alcohol. Diversión, amantes, novios, novias, todo, hasta que estés listo para entrar a la secundaria…  Después pasas a la primaria y eres un niñ@ que se la pasa jugando sin responsabiliddes de ningún tipo…  Luego pasas a ser un bebé, y vas de nuevo al vientre materno, y ahí pasas los mejores y últimos 9 meses de tu vida flotando en un líquido tibio, hasta que tu vida se apaga en un tremendo orgasmo…  ¡¡¡ESO SÍ ES VIDA!!!"

WALL·E

TÍTULO ORIGINAL: WALL·E

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 1 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: Andrew Stanton

INTÉRPRETES: Animación

MÚSICA: Thomas Newman

FOTOGRAFÍA: Animación

GUIÓN: Andrew Stanton y Jim Reardon, basado en una idea original de Andrew Stanton y Pete Docter

CRÍTICA:

Yo, robot

Vi esta película en febrero de 2.009, es decir, seis meses después de su estreno. En todo ese tiempo, tuve ocasión de leer y escuchar apasionadas críticas sobre su calidad y su emotividad, de forma que me dispuse a disfrutarla como la obra maestra que muchos decían que era. Y, claro, pasa lo que pasa, que se parte de unas expectativas tan altas que, después, quedamos francamente decepcionados.

Cierto que "Wall·E", como "Up", pero sin llegar a su nivel, tiene unos primeros diez minutos que son puro cine, con esa descripción del día a día del solitario robot protagonista. Pero, al igual que aquella, esos minutos iniciales son lo mejor de la cinta con mucha diferencia; a partir de la aparición de Eva, la película se decanta por centrarse en su público objetivo (el día que Pixar se decida a realizar un filme exclusivamente para adultos sí puede que nos hallemos ante una obra maestra), y, pese a que la idea en sí no es mala, ni mucho menos, nos movemos ya en terrenos muy trillados, donde se busca más satisfacer a la masa de infantes que, presumiblemente, van a llenar los cines, que redondear un trabajo que prometía mucho pero, me temo, termina por no satisfacer ni a unos ni a otros.

Pese a todo, Pixar sabe lo que se hace, y el resultado final es una cinta nada desdeñable, aunque de las peores de la compañía.

DESTINO FINAL 4

TÍTULO ORIGINAL: The Final Destination

CALIFICACIÓN: 3

Fecha de visión: 9 de febrero de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.009

DIRECCIÓN: David R. Ellis

INTÉRPRETES: Bobby Campo, Shantel VanSanten, Nick Zano, Krista Allen, Haley Webb, Mykelti Williamson, Stephanie Honore, Andrew Fiscella, Justin Welborn, Lara Grice, Jackson Walker, Phil Austin, William Aguillard, Brendan Aguillard, Juan Kincaid

MÚSICA: Brian Tyler

FOTOGRAFÍA: Glen MacPherson (color)

GUIÓN: Eric Bress

CRÍTICA:

Death Race: La carrera de la muerte

Pues nada, lo previsible: como suele suceder en las franquicias de terror, la calidad es inversamente proporcional al número de la secuela. Si tenemos en cuenta que la primera de las películas de la serie no era nada del otro mundo, que destacaba por lo original de su planteamiento y poco más, ya nos podemos hacer una idea de por dónde van los tiros en esta cinta en cuestión, la peor de la saga con diferencia.

Aunque, claro, ya antes de verla era bastante predecible el resultado final; al menos, en eso no te engañan, y es difícil salir defraudado de un producto destinado al consumo masivo, al entretenimiento descerebrado y que invita a desconectar las neuronas antes de -es un decir- disfrutarlo.

En fin, lo dicho: que nadie se siente engañado, porque ofrecen exactamente lo que prometen.

MICHAEL CLAYTON

TÍTULO ORIGINAL: Michael Clayton

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 14 de enero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Tony Gilroy

INTÉRPRETES: George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Michael O'Keefe, Sydney Pollack, Wai Chan, Ken Howard, Alberto Vazquez, Denis O'Hare, Brian Koppelman, Robert Prescott, Julie White, Austin Williams, Jennifer Van Dyck, Sean Cullen

MÚSICA: James Newton Howard

FOTOGRAFÍA: Robert Elswit (color)

GUIÓN: Tony Gilroy

CRÍTICA:

El pacificador

Otra de esas películas del montón, con más pretensiones que resultados, un nuevo discurso de Hollywood sobre la ética, la corrupción y la moralidad, en la que, si algo se puede destacar, es la actuación de Tom Wilkinson. El resto ya nos lo han contado un millón de veces, y ni la dirección de Gilroy, seca y monótona, ni las sobrevaloradas interpretaciones de Clooney y Swinton (es una gran actriz, pero no se merecía el Oscar por este trabajo), aportan ningún elemento de interés que haga que la cinta sobresalga o, siquiera, permanezca en el recuerdo más allá de su visionado.

Completamente prescindible.

MORIRÁS EN 3 DÍAS

TÍTULO ORIGINAL: In 3 Tagen bist du tot

CALIFICACIÓN: 2

Fecha de visión: 4 de noviembre de 2.009

NACIONALIDAD: Austria

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: Andreas Prochaska

INTÉRPRETES: Sabrina Reiter, Karl Fischer, Julia Rosa Stöckl, Michou Friesz, Michael Steinocher, Ines Honsel, Laurence Rupp, Amelie Jarolim, Nadja Vogel, Andreas Kiendl, Julian Sharp, Ada Kolland, Susi Stach, Ferry Oellinger, Michael Rastl

MÚSICA: Matthias Weber

FOTOGRAFÍA: David Slama (color)

GUIÓN: Thomas Baum, Uli Brée y Andreas Prochaska

CRÍTICA:

Dulce país

Alucinante que esta película haya sido un éxito en su país de origen, hasta el punto que se ha rodado una secuela. También es verdad que, francamente, las noticias que nos suelen llegar de Austria no propician que tengamos una noción excesivamente amable de esa nación: xenofobia, la extraña muerte de Haider, el "monstruo" Fritzl, el largo secuestro de Natascha Kampusch, los conciertos de Año Nuevo... Bueno, sí, también tienen a Haneke, pero mira tú la temática de sus filmes y la imagen que transmiten del país...

Así las cosas, el estreno de esta película en España sólo puede obedecer al afán de venganza de los exhibidores y distribuidores por la ley que les obliga a programar un cierto porcentaje de películas europeas en sus salas. Hay que tener mucha mala leche.

AMANECE, QUE NO ES POCO

TÍTULO ORIGINAL: Amanece, que no es poco

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 11 de enero de 2.009

NACIONALIDAD: España

AÑO: 1.989

DIRECCIÓN: José Luis Cuerda

INTÉRPRETES: Antonio Resines, Cassen, Luis Ciges, José Sazatornil, Carmen de Lirio, Francisco Martínez, Aurora Bautista, Enrique San Francisco, Ovidi Montllor, Carmen Rodríguez, Pastora Vega, Chus Lampreave, Rafael Díaz, Amada Tercero, Manuel Alexandre, María Isbert, María Ángeles Ariza, Miguel Rellán, Rafael Alonso, Guillermo Montesinos, Fedra Lorente, Antonio Gamero, Gabino Diego, Queta Claver, Fernando Valverde, Saturnino González

MÚSICA: José Nieto

FOTOGRAFÍA: Porfirio Enríquez (color)

GUIÓN: José Luis Cuerda

CRÍTICA:

Esperpentos

Con lo más granado del panorama interpretativo patrio del momento a su servicio, García Sánchez se embarcó en su proyecto más personal y arriesgado, una película inclasificable que rompe todas las normas cinematográficas establecidas, dejando a los personajes campar a sus anchas por uno de los guiones más surrealistas y originales jamás rodado.  Siguiendo la estela de la España esperpéntica de Valle Inclán, aderezada con las greguerías de Gómez de la Serna, el director da rienda suelta a su imaginación y nos sorprende a cada instante con una realidad tan absurda y tan onírica que se hace casi deseable poder visitar de verdad ese pueblo, ese mundo, donde hasta los astros se rebelan contra las leyes físicas establecidas.

Una película imprescindible, aunque sólo sea por ver discutir a un cura y a un cabo de la Guardia Civil sobre el libre albedrío.

EL JURAMENTO

TÍTULO ORIGINAL: The Pledge

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 19 de julio de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.001

DIRECCIÓN: Sean Penn

INTÉRPRETES: Jack Nicholson, Aaron Eckhart, Robin Wright Penn, Patricia Clarkson, Beau Daniels, Benicio Del Toro, Helen Mirren, Vanessa Redgrave, Dale Dickey, Wendy Morrow Donaldson, Sam Shepard, Mickey Rourke, Adrien Dorval, Shawn Henter, Tom Noonan, Costas Mandylor, Harry Dean Stanton, Michael O'Keefe, Pauline Roberts

MÚSICA: Hans Zimmer y Klaus Badelt

FOTOGRAFÍA: Chris Menges (color)

GUIÓN: Jerzy Kromolowski y Mary Olson-Kromolowski, basado en la novela de Fiedrich Dürrenmatt

CRÍTICA:

El cebo

Antes que nada, hay que aclarar que no nos hallamos ante un "remake" del maravilloso clásico de Vajda que da título a la crítica, sino ante una adaptación de la novela en la que se basó aquella película. Partiendo de esa base, y aunque se hagan inevitables las comparaciones, la cinta de Penn no es en ningún momento deudora de aquella, sino que tiene una entidad propia, haciendo hincapié en el terreno psicológico y en el sentimiento de culpa, que hace que nos hallemos ante dos filmes muy distintos.

Y es que aquí la estrella de Nicholson termina por fagocitar cualquier otro aspecto de la película, que termina supeditada a su extraordinaria actuación. En el filme de Vajda, la ominosa no-presencia del gigante de los erizos llenaba todo el metraje de terror y suspense; aquí, Penn hace gravitar todos los componentes de la historia al servicio de su actor, de forma que resulta irrelevante la resolución del caso, centrándose en el particular y obsesivo descenso a los infiernos del personaje principal.

Lo innegable, con o sin el precedente de "El cebo", es que nos hallamos ante una cinta muy interesante, magníficamente interpretada, que merece sin duda mayor suerte y atención que la que tuvo en su día y que confirma a Sean Penn como un director a tener en cuenta y reivindicar.

LOVE & SEX (AMOR Y SEXO)

TÍTULO ORIGINAL: Love & Sex

CALIFICACIÓN: 3

Fecha de visión: 10 de enero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.000

DIRECCIÓN: Valerie Breiman

INTÉRPRETES: Famke Janssen, Jon Favreau, Noah Emmerich, Ann Magnuson, Cheri Oteri, Josh Hopkins, Robert Knepper, David Schwimmer, Vincent Ventresca, Rob Swanson, Kristen Zang, David Steinberg, Elimu Nelson, Don Brunner, Yvonne Zima

MÚSICA: Billy White Acre y Pierpaolo Tiano

FOTOGRAFÍA: Adam Kane (color)

GUIÓN: Valerie Breiman

CRÍTICA:

Sexo, amor y otras desgracias

Flojita, muy flojita comedia romántica estadounidense, que no añade nada a la fórmula mil veces vista.  No es que sea mala, ni siquiera antipática, pero es otro de esos productos que, tan pronto vemos, mandamos a la papelera de reciclaje del cerebro, con la sana intención de no restaurarlo nunca.

Allá cada uno con lo que pierde el tiempo...

CASI FAMOSOS

TÍTULO ORIGINAL: Almost Famous

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 3 de julio de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.000

DIRECCIÓN: Cameron Crowe

INTÉRPRETES: Billy Crudup, Frances McDormand, Patrick Fugit, Kate Hudson, Jason Lee, Philip Seymour Hoffman, Zooey Deschanel, Anna Paquin, Michael Angarano, Fairuza Balk, Noah Taylor, Jimmy Fallon, John Fedevich, Bijou Phillips, Mark Kozelek

MÚSICA: Nancy Wilson

FOTOGRAFÍA: John Toll (color)

GUIÓN: Cameron Crowe

CRÍTICA:

Más allá de la fama

Lo primero para que te guste esta película es que la música, especialmente el tipo de música que nos muestra, sea uno de los motores de tu vida; si es así, supongo, ganará muchos enteros.  Pero para los que vamos al cine esperando ver cine, una historia coherente que mantenga el ritmo y el interés, resulta decepcionante ver esta amalgama de clichés y frases hechas, artificial, sin gancho y definitivamente sobrevalorada (si este guión se llevó el Oscar al mejor libreto original fue únicamente por la falta de empaque de sus competidoras).

Al filme lo salvan unas interpretaciones más que correctas, con un Fugit voluntarioso y esforzado, muy bien acompañado por el resto del reparto, especialmente Crudup y McDormand (la nominación de Hudson, aunque comprensible para lo que Hollywood considera destacable, me parece algo desmesurado).

En definitiva, un pequeño fiasco; y es que, cuando veo una película, quiero ver cine; si quiero escuchar a "Led Zeppelin", me pongo un CD.

15 DÍAS CONTIGO

TÍTULO ORIGINAL: 15 días contigo

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 9 de enero de 2.009

NACIONALIDAD: España

AÑO: 2.005

DIRECCIÓN: Jesús Ponce

INTÉRPRETES: Isabel Ampudia, Sebastián Haro, Mercedes Hoyos, José María Peña, Joan Dalmau, Manuel José Chávez, Pepa Díaz Meco, Lola Marmolejo, Manolo Solo, Paco Tous, Iride Barroso, Joaquín Pellón, Jesús Olmedo, Juan Motilla, Isabel Tapia

MÚSICA: Víctor Reyes

FOTOGRAFÍA: Daniel Sosa Segura (color)

GUIÓN: Jesús Ponce

CRÍTICA:

En la puta calle

Realismo puro, verosimilitud, es lo que desprende esta magnífica película del debutante Jesús Ponce, que nos sumerge, de la mano de un guión hecho con retazos de realidad, en el día a día de dos marginados de la sociedad del bienestar, que sobreviven como pueden con las sobras y las limosnas de un mundo que los arrincona y los olvida a su propia suerte.

La actuación de Isabel Ampudia es realmente soberbia (estuvo nominada al Goya a mejor actriz revelación), en su rol de ex-presidiaria que se resiste a rendirse a su situación y lucha por integrarse, a base de esfuerzo y lucha, en una sociedad que la mira con aprensión y desconfianza (atención a su monólogo en off, toda una declaración de principios de todo lo que anhela, cosas tan insignificantes y anodinas que los que las poseemos no le damos importancia, pero que, para ella, significan haber salido del pozo en que se halla), pero quien realmente se lleva el gato al agua es el imponente Sebastián Haro, con una composición tan desgarradora y estremecedora que realmente llegamos a dudar de que nos encontremos ante un actor: su Rufo es una de las mejores interpretaciones que he visto en mucho tiempo, y resulta vergonzoso que no se le haya reconocido como tal.

Una pequeña película, que sus actores hacen grande, muy grande.

OCURRIÓ CERCA DE SU CASA

TÍTULO ORIGINAL: C'est arrivé près de chez vous

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 28 de diciembre de 2.009

NACIONALIDAD: Bélgica

AÑO: 1.992

DIRECCIÓN: Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde

INTÉRPRETES: Benoît Poelvoorde, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Rémy Belvaux, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Jenny Drye, Malou Madou, Willy Vandenbroek, Rachel Deman, André Laime, Édith Le Merdy, Sylviane Godé, Zoltan Tobolik, Valérie Parent, Alexandra Fandango

MÚSICA: Jean-Marc Chenut y Laurence Dufrene

FOTOGRAFÍA: André Bonzel (blanco y negro)

GUIÓN: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde y Vincent Tavier, basado en un argumento del primero

CRÍTICA:

De profesión asesino

Curiosa, muy curiosa y original esta película belga, un ejercicio de estilo y una crítica mordaz a los medios de comunicación y al encumbramiento que hacen de la violencia y la barbarie, en nombre de la libertad de información, de la cuota de pantalla y por encima de cualquier consideración ética. Rodada con cuatro duros y tan actual como cuando se rodó, hay que destacar la maravillosa actuación de su protagonista, que logra casi conmover en su inmisericorde rol de asesino por vocación.

Una cinta a descubrir.

HABITACIÓN PARA 4 (AMICI MIEI)

TÍTULO ORIGINAL: Amici miei

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 10 de diciembre de 2.008

NACIONALIDAD: Italia

AÑO: 1.975

DIRECCIÓN: Mario Monicelli

INTÉRPRETES: Ugo Tognazzi, Gastone Moschin, Philippe Noiret, Adolfo Celi, Duilio Del Prete, Olga Karlatos, Silvia Dionisio, Franca Tamantini, Angela Goodwin, Milena Vukotic, Bernard Blier, Edda Ferronao, Maurizio Scattorin, Marisa Traversi, Mauro Vestri

MÚSICA: Carlo Rustichelli

FOTOGRAFÍA: Luigi Kuveiller (color)

GUIÓN: Tullio Pinelli, Leonardo Benvenuti, Pietro Germi y Piero De Bernardi

CRÍTICA:

Amigos hasta el final

Una comedia italiana de mediados de los setenta, bastante desconocida por estos lares, que, sin ser nada del otro mundo, desborda alegría y pasión por la vida. Monicelli, amparado por un cuarteto de lujo en estado de gracia, nos muestra las gamberradas, las bromas y, también, las miserias, de un grupo de hombres que se resisten a crecer y se amparan en su amistad para huir del monótono día a día con que la sociedad pretende engullirlos.

La cinta, pese a los altibajos que sufre y a su excesivo metraje, se ve con agrado, aunque, curiosamente, se defiende mejor en los momentos serios que en la contínua sucesión de "gags" que, en el fondo, la conforman. Espléndidos Noiret y Tognazzi, la sensación final oscila entre la empatía y el patetismo que emanan los personajes.

Curiosa, merece un visionado.

CUBE

TÍTULO ORIGINAL: Cube

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 2 de abril de 2.0009

NACIONALIDAD: Canadá

AÑO: 1.997

DIRECCIÓN: Vincenzo Natali

INTÉRPRETES: Maurice Dean Wint, David Hewlett, Nicole de Boer, Nicky Guadagni, Andrew Miller, Julian Richings, Wayne Robson

MÚSICA: Mark Korven

FOTOGRAFÍA: Derek Rogers (color)

GUIÓN: André Bijelic, Vincenzo Natali y Graeme Manson

CRÍTICA:

Un cubo de sangre

Recapitulemos: estamos ante una película que transcurre íntegramente en un único escenario, al que meramente se le varía el color, sin un sólo plano exterior; interpretada, durante la mayor parte de su metraje, por únicamente cinco personas, que, para más inri, se pasan gran parte del tiempo discutiendo sobre el sentido de sus vidas y sobre matemáticas, y, encima, vestidas todas con idéntico y anodino uniforme.

Descrita así, "Cube", para cualquier persona que no supiera nada de ella, se presentaría como el típico pestiño intragable, intelectualoide e infumable. La realidad, como no hace falta descubrirle a nadie, es que nos hallamos ante una película que atrapa al espectador desde su primer minuto, impactante y, sobre todo, que lo mantiene en un estado perenne de tensión.

Un ejemplo de la tension que desborda el filme es la escena de la habitación donde la trampa se activa por el ruido; la primera vez que vi "Cube", con el cine abarrotado, el silencio reinó en la sala durante toda esa escena y, justo cuando terminó, se escuchó un suspiro generalizado, liberador de la tensión, que hizo que todo el público terminara riéndose. Nunca he vivido nada igual en una proyección.

No es perfecta -entre otras cosas, las interpretaciones no son precisamente lo mejor del filme-, pero es imprescindible.

EL HOMBRE QUE MIRA

TÍTULO ORIGINAL: L'uomo que guarda

CALIFICACIÓN: 3

Fecha de visión: 8 de diciembre de 2.008

NACIONALIDAD: Italia

AÑO: 1.994

DIRECCIÓN: Tinto Brass

INTÉRPRETES: Katarina Vasilissa, Francesco Casale, Cristina Garavaglia, Raffaela Offidani, Antonio Salines, Eleonora De Grassi, Martine Brochard, Gabri Crea, Franco Branciaroli, Erika Savastani, Ted Russof, Paolo Murano, Maria La Rosa, Lulu, Matteo.

MÚSICA: Riz Ortolani

FOTOGRAFÍA: Massimo Di Venanzo (color)

GUIÓN: Tinto Brass, basado en la novela de Alberto Moravia

CRÍTICA:

Un profesor singular

Esta es la tercera película que veo de Tinto Brass (sin contar algún que otro intento de ver "Calígula", que nunca llegaba a buen puerto: era muy joven, y no terminaba de verla, porque terminaba antes...). A lo que iba: que extasiado por la narración y la exuberancia de "Los burdeles de Paprika", una gran película erótica y una gran película a secas, decidí sumergirme algo más en la filmografía de su director. Desgraciadamente, ni "Salón Kitty" ni la que ahora nos ocupa tienen nada que ver con la cinta protagonizada por Caprioglio; nos hallamos, pues, ante una película chabacana y soez, que, encima, pretende cubrirse con un barniz pseudointelectual y un discurso psicológico irritante.

Decepcionante, incluso para el erotómano más paciente.

THREE... EXTREMES

TÍTULO ORIGINAL: Sam gang yi

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 3 de septiembre de 2.009

NACIONALIDAD: Hong Kong, Japón, Corea del Sur

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Fruit Chan, Takashi Miike y Park Chan-Wook

INTÉPRETES: Bai Ling, Pauline Lau, Tony Leung Ka Fai, Meme Tian, Byung-hun Lee, Won-Hee Lim (tcc Won-hie Lim), Hye-jeong Kang, Dae-yeon Lee, Kyoko Hasegawa, Atsuro Watabe, Mai Suzuki, Yuu Suzuki, Miriam Yeung Chin Wah, Gene Woo Park, Mitsuru Akaboshi

MÚSICA: Kwong Wing Chan y Kôji Endô

FOTOGRAFÍA: Christopher Doyle, Chung-hoon Chung y Kôichi Kawakami (color)

GUIÓN: Haruko Fukushima (basado en un argumento de Bun Saikou), Lilian Lee y Park Chan-Wook

CRÍTICA:

A tres bandas

Película compuesta por tres episodios, dirigido cada uno de ellos por un destacado cineasta oriental, en lo que a cine de terror (o similar) se refiere. Como todas las cintas que siguen este formato, se caracteriza por los altibajos de calidad e interés propios de narraciones y estilos completamente distintos.

Aunque el terror no hace acto de presencia en todo el metraje, el desasosiego sí que está presente en cada fotograma, con mayor o menor intensidad. Particularmente, y sin saber que era suya cuando vi el filme, el mejor episodio, a mi entender, es el de Park Chan-Wook, un elaborado ejercicio de estilo con puntos en común con la franquicia "Saw", aunque con mayor enjundia. Pese a ello, no pasa de ser un divertimento menor, un encargo al que el director ha dedicado un esfuerzo mínimo.

Las otras dos historias son bastante menos interesantes. "Dumplings", que Chan ha desarrollado aparte como largometraje (aún no lo he visto, pero difícilmente habrá salido airoso: a duras penas logra mantener el interés como episodio), me ha reafirmado en mi aversión hacia la comida oriental. Por su parte, Miike se confirma como un autor muy sobrevalorado, con un universo propio que no me interesa en absoluto.

En definitiva, una cinta meramente entretenida, falsamente vendida como de terror, y no apta para todos los estómagos.