ZOMBIES: THE BEGINNING

TÍTULO ORIGINAL: Zombi: La creazione

CALIFICACIÓN: 1

Fecha de visión: 24 de septiembre de 2.009

NACIONALIDAD: Italia

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Vincent Dawn (tcc Bruno Mattei)

INTÉRPRETES: Yvette Yzon, Alvin Anson, Paul Holme, James Gregory Paolleli, B. B. Johnson (tcc Robert B. Johnson), Dyane Craystan (tcc Diana Croyston), Gerhard Acao, Ronny Boos, Sereno Cunial, Miguel Faustmann, Jim Gaines, Sven Stefaniksen, Mike Vergel, Gene Zwahir

MÚSICA: No reseñado

FOTOGRAFÍA: Rey de Leon (color)

GUIÓN: Giovanni Paolucci y Antonio Tentori

CRÍTICA:

Guerrilleros en Filipinas

Última película (gracias Dios, por los favores recibidos) del ínclito Bruno Mattei, antes de su muerte, nos hallamos ante la continuación (¿por qué, por qué?) de "Island of the living dead" y, si la comparamos con aquella, estamos ante toda una obra maestra.  Eso sí, comparándola con cualquier otra película, esto es, hablando claramente, una soberana mierda.

Siguiendo el esquema que tan horrorosos resultados produjo en la cinta de 2.006, es decir, copiar una cinta de terror hasta en sus diálogos más absurdos, pero ambientándola en el universo zombie, en esta ocasión los guionistas se decantaron por plagiar algo de más calidad (para "Island of the living dead" plagiaron ¡¡¡"Ghost Ship"!!!), y se decidieron por el "Aliens: el regreso", de James Cameron.  Aunque sólo sea porque la cinta original a copiar es de mucha más calidad, el resultado esta vez sólo puede calificarse de horroroso, nauseabundo y esperpéntico, lo cual es un enorme éxito, comparándola con la citada "Island...".

Que nadie pierda su tiempo con esto.

ATÚN Y CHOCOLATE

TÍTULO ORIGINAL: Atún y chocolate

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 24 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: España

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Pablo Carbonell

INTÉRPRETES: Pablo Carbonell, María Barranco, Pedro Reyes, Antonio Dechent, Paco Vergara, Andrés Rivera, Rosario Pardo, María Alfonsa Rosso, Esther Arroyo, Cesáreo Estébanez, Begoña Labrada, "Biri" Mohamed Abbelatin, José Francisco "Chuna" Jiménez, Francisco Javier "Curro" Bonilla, Enrique Martín

MÚSICA: Nono García

FOTOGRAFÍA: Álex Catalán (color)

GUIÓN: Pablo Carbonell

CRÍTICA:

Boda pasada por agua

Alucinante, sorprendente y muy divertida la (hasta la fecha) única incursión de Pablo Carbonell en la dirección, una bocanada de aire fresco en un género adocenado y repetitivo, como es la que comedia made in Spain.

Con un guión que bebe en lo mejor del humor gaditano, sin rehuir su lado más chabacano, pero limitándolo a la mínima expresión, Carbonell se marca una opera prima que desborda optimismo y ganas de vivir, con unos intérpretes en estado de gracia (los adultos, alguno de los jóvenes son realmente deplorables), y que cuenta con algunas de las escenas más desternillantes de los últimos años.

Una joya a descubrir.

EL AÑO DEL DILUVIO

TÍTULO ORIGINAL: El año del diluvio

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 28 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: España, Francia, Italia

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Jaime Chávarri

INTÉRPRETES: Fanny Ardant, Dario Grandinetti, Eloy Azorín, Pepa López, Ginés García Millán, Francis Lorenzo, Francesc Orella, Sandra de Falco, Rosa Novell, Miquel Gelabert, Fina Rius, Pere Ventura, Carlos Vicente

MÚSICA: Carles Cases

FOTOGRAFÍA: Jaume Peracaula (color)

GUIÓN: Jaime Chávarri, basado en la novela de Eduardo Mendoza

CRÍTICA:

Una monja y un Don Juan

Vaya por delante que no he leído la novela de Mendoza en la que se basa esta película, pero dudo mucho que sea una obra tan plana y tan poco interesante como la versión fílmica que Chávarri nos ofrece.  Pese a contar con dos grandes actores en los papeles principales, el mayor hándicap de esta cinta se halla precisamente en unas interpretaciones superficiales y poco convincentes, agravadas por el forzoso doblaje a que se ve sometida Fanny Ardant.

Por lo demás, la impresión general es de que nos hallamos ante una obra de encargo, un mero producto alimenticio en el que todas las partes involucradas han decidido no esforzarse demasiado y pasar a otra cosa.  Y es que, ante una historia que requería un mayor estudio de personajes y una pasión desbordante, nos ofertan una mera galería de estereotipos a los que, sobre todo, les falta alma.

Decepcionante.

LEONERA

TÍTULO ORIGINAL: Leonera

CALIFICACIÓN: 7

Fecha de visión: 24 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: Argentina, Corea del Sur, Brasil

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: Pablo Trapero

INTÉRPRETES: Martina Gusman, Elli Medeiros, Rodrigo Santoro, Laura García, Tomás Plotinsky, Leonardo Sauma, Walter Cignoli, Roberto Maciel, Ricardo Ragendorfer (tcc Ricardo Raguendorfer), Clara Sajnovetzky

MÚSICA: No original

FOTOGRAFÍA: Guillermo Nieto (color)

GUIÓN: Alejandro Fadel, Pablo Trapero, Martín Mauregui y Santiago Mitre

CRÍTICA:

Cárcel de mujeres

Tres días después de haber visto "Celda 211", la espléndida película de Daniel Monzón, no parece el momento adecuado para realizar una crítica de esta "Leonera", más que nada porque, aunque ambas se desarrollan en el mismo escenario, nada tienen que ver entre sí, y, sin embargo, es inevitable compararlas, como dramas carcelarios que son, y en esa comparación esta cinta sale perdiendo.

Quiero decir con esto que, si no tuviera tan reciente la película española, mi votación por este filme hubiera sido un punto superior.  Y es que nos hallamos ante una historia que, por encima de otras consideraciones, desprende verosimilitud en cada fotograma, en gran medida debido al extraordinario trabajo de todo el elenco, pero especialmente de las dos protagonistas femeninas, realmente estupendas.

Por su parte, la dirección de Trapero es sutil, poco estridente, rehuyendo remarcar los pasajes escabrosos que una historia como esta podía haber generado en otras manos, y, aunque en cierto momento la película pierde ritmo y se hace algo repetitiva, el director sabe llevar su nave a buen puerto, merced a un guión que toca todos los palos posibles a la hora de conmover, pero en el que se evita la sensiblería fácil.

Muy recomendable.

SURVEILLANCE

TÍTULO ORIGINAL: Surveillance

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 8 de octubre de 2.009

NACIONALIDAD: Gran Bretaña

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Paul Oremland

INTÉRPRETES: Dawn Steele, Tom Harper, Sean Brosnan, Simon Callow, Julian Date, Nicholas Jones, Michael Elwyn, Abigail Hollick, William Osborne, Ian Rose

MÚSICA: Helen Jane Long

FOTOGRAFÍA: Alistair Cameron (color)

GUIÓN: Kevin Sampson

CRÍTICA:

Más de mil cámaras velan por tu seguridad

Curiosa cinta, que expone hasta qué punto, hoy día, nuestra vida puede ser motivo de vigilancia, dada la enorme cantidad de dispositivos que permitirían que nuestro deambular diario se convirtiera en un involuntario "Gran Hermano".

Bastante exagerada y paranoica, el director se empeña en ofrecer la mayor cantidad posible de escenas e imágenes sacadas directamente de cámara ocultas de vigilancia, llegando a extremos algo absurdos para justificar algunos emplazamientos.  Por otro lado, ni el argumento tiene el suficiente interés ni la labor artística de los intérpretes merece mayor reconocimiento, por lo que el resultado final es algo decepcionante.

LA MORADA DEL MIEDO

TÍTULO ORIGINAL: The Amityville Horror

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 20 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.005

DIRECCIÓN: Andrew Douglas

INTÉRPRETES: Ryan Reynolds, Melissa George, Jesse James, Philip Baker Hall, Jimmy Bennett, Chloë Grace Moretz, Rachel Nichols, Isabel Conner, Brendan Donaldson, Annabel Armour, Rich Komenich, David Gee, Danny McCarthy, Nancy Lollar, José Taitano

MÚSICA: Steve Jablonsky

FOTOGRAFÍA: Peter Lyons Collister (color)

GUIÓN: Scott Kosar, basado en el guión de Sandor Stern para la película de 1.979 "Terror en Amityville", basado a su vez en la novela de Jay Anson, que recogía las vivencias reales de George y Kathy Lutz

CRÍTICA:

Terror en Amityville

Vaya por delante que, aunque me encanta el cine de terror, el subgénero de casas encantadas me produce bastante indiferencia, por dos razones, principalmente: porque es un terror bastante localizado, que, en caso de ser real, nunca llegaría a afectarme, y porque, por esa misma limitación, está ya todo muy trillado y es difícil encontrar una película medianamente original sobre el asunto -ya veremos "Paranormal Activity", pero no sé yo...

En fin, el caso es que esta es una de las cintas más decentes que he visto sobre el tema, que sabe crear una atmósfera muy adecuada e inquietante. Correctamente dirigida e interpretada, se ve sin pesar y con cierto desasosiego, si bien es cierto que tampoco -valga el juego de palabras facilón- es nada del otro mundo.

Para pasar el rato.

LUCES DE LA CIUDAD

TÍTULO ORIGINAL: City Lights

CALIFICACIÓN: 9

Fecha de visión: 11 de abril de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.931

DIRECCIÓN: Charles Chaplin

INTÉRPRETES: Charles Chaplin, Virginia Cherill, Florence Lee, Harry Myers, Al Ernest Garcia (aka Allan Garcia), Hank Mann, Henry Bergman, Victor Alexander, Eddie Baker, Tom Dempsey, Ray Erlenborn, Mrs. Hyams, Austen Jewell, Willie Keeler, Eddie McAuliffe

MÚSICA: Charles Chaplin

FOTOGRAFÍA: Gordon Pollock y Rollie Totheroh (blanco y negro)

GUIÓN: Charles Chaplin, Harry Clive y Harry Crocker, los dos últimos sin acreditar

CRÍTICA:

La violetera

Contrariado por la llegada e imposición del cine sonoro, Chaplin decidió que no adoptaría la nueva tecnología, que, según él, acabaría con el Cine, por lo que para su primera película tras la innovación se decidió por seguir ofreciendo lo que tan bien sabía hacer: una nueva aventura de su personaje del vagabundo, muda, para demostrar que el nuevo invento era innecesario. Sin embargo, una vez terminado el filme, incluyó una serie de efectos sonoros -la puerta de un coche al cerrarse, verbigracia, elemento importante en la trama de la cinta- y componer una banda sonora magnífica, concesiones que, en su opinión, no desvirtuaban la cinta y sí podían beneficiar la comprensión y el dramatismo.

Aunque, en líneas generales, esta vez Chaplin se equivocó, el resultado de su cabezonería es una de sus películas más redondas, una maravilla que, sin necesidad de palabras, es capaz de provocar en el espectador todas las emociones que el director buscaba, desde la carcajada al torrente lacrimógeno que provoca uno de los más emotivos finales de la Historia del Cine.

Gracias, maestro.

ALARIDOS

TÍTULO ORIGINAL: Cemetery Gates

CALIFICACIÓN: 0

Fecha de visión: 20 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: Roy Knyrim

INTÉRPRETES: Reggie Bannister, Peter Stickles, Aime Wolf, Nicole DuPort, Kristin Novak, Ky Evans, John Thomas, Chris Finch, Karol Garrison, Bill Lloyd, G. Scott McDonald (aka Greg McDonald), Stephen Van Dorn, Howard Berger, Gregory Nicotero, Aristide Sumatra

MÚSICA: Ben Cooper

FOTOGRAFÍA: Steve Adcock (color)

GUIÓN: Brian Patrick O'Toole, basado en un argumento de Pat Coburn y J. Victor Renaud

CRÍTICA:

Peor imposible

Supongamos que le diera una cámara a mi hijo de once meses, la pusiera en marcha y se la dejara durante hora y media. El resultado, comparado con la película que nos ocupa, podría sin duda calificarse de obra maestra. Es más, supongamos que no le enciendo la cámara; si volvemos a comparar, nueve de cada diez entrevistados preferiría la cinta de mi niño (el décimo es un jarrón).

EL SECRETO DE SUS OJOS

TÍTULO ORIGINAL: El secreto de sus ojos

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 26 de septiembre de 2.009

NACIONALIDAD: Argentina, España

AÑO: 2.009

DIRECCIÓN: Juan José Campanella

INTÉRPRETES: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Guillermo Francella, Javier Godino, José Luis Gioia, Carla Quevedo, Mario Alarcón, Bárbara Palladino, Mariano Argento, Rudy Romano, Kiko Cerone, Alejandro Abelenda, David Di Napoli, Sebastián Blanco

MÚSICA: Federico Jusid y Emilio Kauderer

FOTOGRAFÍA: Félix Monti (color)

GUIÓN: Juan José Campanella y Eduardo Sacheri, basado en la novela de este último "La pregunta de sus ojos"

CRÍTICA:

Cadena perpetua

La frase más escalofriante de esta cinta, que hace que, aún hoy, se me ponga la carne de gallina sólo de pensar en ella, es un estertor agónico proveniente de una garganta reseca, de unas cuerdas vocales atrofiadas, un grito sordo, apenas siete palabras que no se atreven a pedir compasión, tan solo compañía.

Enorme la película del maestro Campanella, de lo mejor que he visto en mucho tiempo en una sala de cine, con un guión espléndido, con unos diálogos magistrales (¡qué bien sabe combinar este hombre drama y comedia!), con unas interpretaciones que rozan la perfección (perdonen la ignorancia de este gallego, pero ¿de dónde sale ese pedazo de actor que es Guillermo Francella?; qué enorme cantera de grandes intérpretes tiene Argentina...). Si hasta se permite un virtuosismo visual como es el plano-secuencia del estadio de fútbol, totalmente incongruente con el estilo del resto de la película, pero realmente espectacular.

Pero..., sí, la obra no es redonda. Campanella, que es un genio a la hora de conmover, como ha demostrado en sus anteriores filmes, falla en aquello que mejor se le da. Hay dos escenas esenciales en esta cinta que, por algún extraño motivo, no sólo desentonan, sino que no logran involucrarnos; me refiero a la despedida en la estación y a la escena del ascensor. En ambas se busca provocar una emoción que las imágenes están muy lejos de transmitir.

Dejando aparte esos pequeños borrones, nos encontramos posiblemente ante la mejor película de su autor, una más que seria candidata al Oscar a la mejor película extranjera a poco que se lo proponga.

Imprescindible.

EL CASO SLEVIN

TÍTULO ORIGINAL: Lucky Number Slevin

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 17 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: Alemania, EE.UU.

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: Paul McGuigan

INTÉRPRETES: Josh Hartnett, Morgan Freeman, Ben Kingsley, Stanley Tucci, Bruce Willis, Lucy Liu, Michael Rubenfeld, Mykelti Williamson, Peter Outerbridge, Danny Aiello, Kevin Chamberlin, Robert Forster, Dorian Missick, Scott Gibson, Daniel Kash

MÚSICA: J. Ralph

FOTOGRAFÍA: Peter Sova (color)

GUIÓN: Jason Smilovic

CRÍTICA:

Un padre en apuros

Al finalizar esta película, que, debo reconocerlo, no vi con la debida atención -el ser padre, que te roba mucho tiempo-, me quedé con la duda de si acababa de presenciar un muy interesante "thriller", heredero del mejor Tarantino, o si me acababan de tomar el pelo. Sí, la cosa está muy elaborada, con un guión lleno de recovecos y que dibuja varios personajes interesantes, y, además, cuenta con el típico final sorpresa (por llamarlo de alguna forma), pero me quedo con la duda -el ser padre, que no te deja prestar atención- de si es todo fuego de artificios o realmente hay algo salvable en tanta parafernalia y tanto diseño.

Por si acaso, dejémoslo en un aprobado alto, y démosle otra oportunidad, a ver si puedo prestarle más atención la próxima vez que la emitan por televisión. O mira, mejor no -el ser padre, que te hace ser muy exigente con la forma en que gastas tu escaso tiempo de ocio.

MUÑECO DIABÓLICO

TÍTULO ORIGINAL: Child's Play

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 18 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.988

DIRECCIÓN: Tom Holland

INTÉRPRETES: Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif, Dinah Manoff, Tommy Swerdlow, Jack Colvin, Neil Giuntoli, Juan Ramírez, Alan Wilder, Richard Baird, Raymond Oliver, Aaron Osborne, Tyler Hard, Ted Liss

MÚSICA: Joe Renzetti

FOTOGRAFÍA: Bill Butler (color)

GUIÓN: Tom Holland, John Lafia y Don Mancini, basado en un argumento de este último

CRÍTICA:

Juguete mortal

Nos hallamos ante todo un clásico de la serie B, una película de terror con un argumento cuando menos original y que, supongo, debió de costar bastante vender a los estudios. Con todas las papeletas para devenir en un tremendo fiasco, la cinta se convirtió, no obstante, en uno de los mayores éxitos comerciales del año, origen de una franquicia que, como suele suceder, se fue despeñando paulatinamente en calidad (mención aparte merece la muy divertida "La novia de Chucky"), al saber invocar de forma adecuada el miedo infantil hacia los muñecos que cobran vida en la oscuridad de nuestra habitación. Apoyada en un guión bastante más elaborado de lo esperado y en unos efectos especiales artesanales pero muy dignos, el resultado final, lejos de caer en el previsible ridículo, logra momentos muy inquietantes.

EL ESPÍA

TÍTULO ORIGINAL: Breach

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 2 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Billy Ray

INTÉRPRETES: Chris Cooper, Ryan Phillippe, Laura Linney, Dennis Haysbert, Caroline Dhavernas, Kathleen Quinlan, Gary Cole, Bruce Davison, Jonathan Watton, Mary Jo Deschanel, Tom Barnett, David Huband, Catherine Burdon, Jonathan Potts, Scott Gibson

MÚSICA: Mychael Danna

FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto (color)

GUIÓN: Billy Ray, Adam Mazer y William Rotko, basado en un argumento de los dos últimos

CRÍTICA:

Doble agente

Siguiendo la estela de su anterior filme, "El precio de la verdad", donde ya adelantaba las líneas generales del que, espero, será su estilo, Billy Ray nos ofrece una película seria y comedida, basada más en los personajes que en la acción, y que, paradójicamente, supone una novedad en un universo, el del actual cine de Hollywood, poblado de estilistas de la velocidad y videocliperos (perdón por la palabra) con Parkinson.

Sustentada sobre el extraordinario trabajo de Chris Cooper, un excelente actor que merece mayor reconocimiento y que aquí, sencillamente, borda su interpretación, la cinta, sin ser ninguna maravilla, supone un buen intento de hacer cine clásico, a la antigua usanza, sencillo y digno, rehuyendo de efectismos inutiles. No lo logra, porque a la composición le falta algo de garra y se pierde en su propia sobriedad, pero es de agradecer el esfuerzo.

THE FACULTY

TÍTULO ORIGINAL: The Faculty

CALIFICACIÓN: 5

Fecha de visión: 8 de agosto de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.998

DIRECCIÓN: Robert Rodriguez

INTÉRPRETES: Elijah Wood, Jordana Brewster, Josh Hartnett, Clea DuVall, Laura Harris, Shawn Hatosy, Famke Janssen, Salma Hayek, Piper Laurie, Christopher McDonald, Bebe Neuwirth, Robert Patrick, Usher Raymond, Jon Stewart, Daniel von Bargen

MÚSICA: Marco Beltrami

FOTOGRAFÍA: Enrique Chediak (color)

GUIÓN: Kevin Williamson, basado en un argumento de David Wechter y Bruce Kimmel

CRÍTICA:

Amenaza en el instituto

Bueno, vamos a pasar lista: tenemos al típico estudiante pardillo con un rico mundo interior, pero que es el objetivo de las bromas de todos los enrollados del instituto; tenemos a los admirados miembros del equipo de fútbol, con el "quaterback" a la cabeza; tenemos a la nueva estudiante rara que deambula por allí intentando no llamar la atención hasta el día en que se le cruzan los cables y se lleva la escopeta a clase; tenemos a las típicas animadoras de caderas amplias y mentes estrechas; tenemos al rebelde sin causa, inteligente aunque pase de todo, que desprecia por igual a profesores y alumnos, dado que él está muy por encima; tenemos al machote integral que, como en los marines no daba la talla, decidió hacerse entrenador y putear a unos cuantos chavales, al tiempo que le daba salida a su testosterona. ¿Falta alguien? Pues metamos alguna profesora buenorra, una férrea directora y algún que otro miembro del claustro de esos amargados o de la vieja escuela.

Y con esos mimbres, el Kevin Williamson, que la noche antes se había visto "La Cosa" y "La invasión de los ladrones de cuerpos", decidió marcarse uno de sus cacareados guiones, de esos que más que lagunas tienen océanos, confiando en que el público objetivo le dé más importancia a la banda sonora y a los efectos que a la historia.

En fin, cine palomitero sin mayores aspiraciones, que, al menos, eso sí, entretiene.

LOS FALSIFICADORES

TÍTULO ORIGINAL: Die Fälscher

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 1 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: Austria, Alemania

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Stefan Ruzowitzky

INTÉRPRETES: Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt, Tilo Prückner, Lenn Kudrjawizki, Norman Stoffregen, Bernd Raucamp, Gode Benedix, Oliver Kanter, Dirk Prinz

MÚSICA: Marius Ruhland

FOTOGRAFÍA: Benedict Neuenfels (color)

GUIÓN: Stefan Ruzowitzky, basado en el libro autobiográfico de Adolf Burger "The Devil's Workshop"

CRÍTICA:

Dinero sucio

Interesante filme, que aborda uno de los episodios menos conocidos de un tema ya tan tratado en el cine como es el exterminio judio durante la II Guerra Mundial: el de un grupo de prisioneros de un campo de concentración que trabajó para los nazis falsificando dinero aliado. La película plantea el dilema de si es lícito colaborar con quien está exterminando a tu propio pueblo para mantener unos privilegios que te permitan sobrevivir al holocausto que te rodea, mirando hacia otro lado mientras intentas mantenerte con vida, aún sabiendo que tu labor está haciendo más fuerte al enemigo. Valor frente a instinto de supervivencia, rebelión frente a sumisión, ambos planteamientos se nos presentan como comprensibles en una situación límite, ante la que es fácil juzgar desde la comodidad de una butaca de cine.

Precisamente intentando ser objetivo, el director y guionista nos presenta la cuestión con un distanciamiento que, a la larga, afecta al resultado final desfavorablemente, consiguiendo que no nos impliquemos en lo que se nos narra de forma tan fría y desapasionada. Y es que, aunque sea de agradecer que no se nos pretenda convencer con descaradas artimañas sensibleras (qué se yo, mediante una niña con un vestido rojo en una película en blanco y negro, por poner un ejemplo), la gelidez que desprende esta cinta logra que nos desvinculemos y asistamos impasibles a unos hechos que deberían conmovernos e impactarnos.

Pese a todo, es recomendable.

LA JAURÍA HUMANA

TÍTULO ORIGINAL: The Chase

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 1 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.966

DIRECCIÓN: Arthur Penn

INTÉRPRETES: Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, Angie Dickinson, E. G. Marshall, Miriam Hopkins, Janice Rule, Robert Duvall, Martha Hyer, James Fox, Richard Bradford, Jocelyn Brando, Diana Hyland, Katherine Walsh, Henry Hull

MÚSICA: John Barry

FOTOGRAFÍA: Joseph La Shelle y Robert Surtees (este, sin acreditar; color)

GUIÓN: Lillian Hellman, basado en la obra teatral de Horton Foote

CRÍTICA:

Acosado

Si una película te conmueve hasta tal punto que te deja clavado en el asiento, en silencio, intentando digerir lo que has visto; si te afecta tanto que eres incapaz de reaccionar durante un tiempo, atrapado por tus sentimientos, ajeno aún al mundo real que te rodea, inmerso todavía en la historia que te acaban de contar; si genera en ti pasiones tan profundas como la rabia, el odio, la compasión, si te hace rechinar los dientes de frustración o ahogar las lágrimas de impotencia, entonces es que estás ante una gran película.

Si un actor es capaz de expresar con sus silencios, con un gesto de su mandíbula, con una mirada, todas las dudas, el miedo y la repugnancia que siente su personaje; si su mera presencia física es capaz de convencernos de que estamos ante un hombre recto y justo; si su contención desprende una fortaleza moral por encima de toda duda, entonces es que estamos ante un gran actor.

Un gran actor, una gran película. ¿Qué más se puede pedir?

EL BESO DE LA PANTERA

TÍTULO ORIGINAL: Cat People
CALIFICACIÓN: 7
Fecha de visión: 30 de octubre de 2.008
NACIONALIDAD: EE.UU.
AÑO: 1.982
DIRECCIÓN: Paul Schrader
INTÉRPRETES: Nastassia Kinski, Malcolm McDowell, John Heard, Annette O'Toole, Ruby Dee, Ed Begley Jr., Scott Paulin, Frankie Faison, Ron Diamond, Lynn Lowry, John Larroquette, Tessa Richarde, Patricia Perkins, Berry Berenson, Fausto Barajas
MÚSICA: Giorgio Moroder
FOTOGRAFÍA: John Bailey (color)
GUIÓN: Alan Ormsby y Paul Schrader (este, sin acreditar), basado en el guión original de DeWitt Bodeen para la película de 1.942 "La mujer pantera"
CRÍTICA:

La mujer pantera

"El beso de la pantera" es, por encima de otras consideraciones, uno de los iconos eróticos de mi juventud; la salvaje y peligrosa sensualidad de Kinski, su sexualidad animal, se me quedaron grabadas y contribuyeron poderosamente a marcar mi ideal futuro de mujer, por ejemplo dándole más importancia a la calidad que a la cantidad -en ese sentido, también tiene algo que decir la Marthe Keller de "Marathon Man", pero esa es otra historia.

La película en sí, pasados los años, sin haber visto el clásico en el que está basada y dejando a un lado, en lo posible, fijaciones adolescentes, es un "thriller" bastante entretenido, que se centra principalmente en la vertiente sexual del argumento, pasando de puntillas sobre otro tipo de cuestiones menos físicas; se sustituyen, así, las motivaciones psicológicas de los personajes por un derroche de fluidos corporales. Merece destacarse lo acertado del "casting", con un McDowell y una Kinski realmente apropiados, si bien a ella se le nota su inexperiencia, limitándose a deambular por la cinta con expresión eternamente asombrada, y supliendo su falta de aptitudes intepretativas con su desparpajo a la hora de despojarse de toda vestimenta.

No seré yo quien se lo recrimine...

EN QUÉ PIENSAN LAS MUJERES

TÍTULO ORIGINAL: What Women Want

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 6 de octubre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.000

DIRECCIÓN: Nancy Meyers

INTÉRPRETES: Mel Gibson, Helen Hunt, Marisa Tomei, Alan Alda, Ashley Johnson, Lauren Holly, Mark Feuerstein, Judy Greer, Delta Burke, Bette Midler, Valerie Perrine, Sarah Paulson, Ana Gasteyer, Lisa Edelstein, Loretta Devine.

MÚSICA: Alan Silvestri

FOTOGRAFÍA: Dean Cundey (color)

GUIÓN: Josh Goldsmith y Cathy Yuspa, basado en un argumento de ellos dos y Diane Drake

CRÍTICA:

Lo que piensan las mujeres

Comedia de tintes e intenciones clásicas, protagonizada por un sorprendente y realmente magnífico Gibson, absolutamente perfecto en su papel de seductor reconducido a la ¿buena? senda. La cinta se beneficia de un guión original y francamente divertido al que, desgraciadamente, no se le saca todo el partido que a priori tenía, al tener que supeditarse el argumento al pensamiento políticamente correcto.

Y es que, en una sociedad que confunde la igualdad con la paridad, y donde la discriminación positiva se considera un avance, a lo máximo que se puede llegar en una película que refleja la lucha de sexos -que no de géneros, a ver si el poder legislativo le echa un vistazo al diccionario de vez en cuando- es a demostrar que el hombre clásico, estilo "Mad Men", es un anacronismo condenado al fracaso sentimental, profesional y familiar, que sólo encontrara la redención bajo el amparo y la tutela de la muy preparada fémina de turno. Lo malo del caso es que dicha mujer sólo parece triunfar cuando adopta el rol del hombre como propio, cuando se masculiniza; en el resto de los casos, según los avispados guionistas de esta cinta, los sentimientos -algo puramente femenino, al parecer- impiden el desarrollo personal y laboral.

En fin, que, en otras épocas, y protagonizada por Rock Hudson y Doris Day, estaríamos hablando de una comedia mucho más machista, sin duda, pero también más redonda, al no tener que intentar lidiar con tanto colectivo al borde de un ataque de nervios. Pese a todo, una cinta muy entretenida.

DAY OF THE DEAD

TÍTULO ORIGINAL: Day of the Dead

CALIFICACIÓN: 4

Fecha de visión: 23 de octubre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: Steve Miner

INTÉRPRETES: Mena Suvari, Ving Rhames, Nick Cannon, Christa Campbell, Michael Welch, Taylor Hoover, AnnaLynne McCord, Vanessa Johansson, Stark Sands, Matt Rippy, Pat Kilbane, Ian McNeice, Robert Rais, Michael McCoy, Laura Goish Markov (aka Laura Giosh)

MÚSICA: Tyler Bates

FOTOGRAFÍA: Patrick Cady (color)

GUIÓN: Jeffrey Reddick, basado en el de George A. Romero para la película de 1.985 "El día de los muertos (Day of the Dead)"

CRÍTICA:

Una de zombis

Pese a su condición de "remake" del clásico de George A. Romero, poco o nada tiene en común esta cinta con la de 1.985, salvo la temática zombie. Y si bien la película original de Romero no es santo de mi devoción -ver crítica-, al menos sugería ideas más o menos atractivas e intentaba ampliar un poco el estrecho margen en que se mueven este tipo de producciones.

Esta, sin embargo, nada añade a todo lo ya visto: sangre e higadillos, carreras, sustos más o menos previsibles... En fin, al menos, aburrir no aburre, pero se olvida en cuanto comienzan los títulos de crédito finales.

CLOSER

TÍTULO ORIGINAL: Closer

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: 19 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Mike Nichols

INTÉRPRETES: Julia Roberts, Jude Law, Natalie Portman, Clive Owen, Nick Hobbs, Colin Stinton, Antony Gabriel, Abdul Popoola, Steve Benham, Elizabeth Bower, Ray Donn, Daniel Dresner, Michael Haley, Steve Morphew, Peter Rnic

MÚSICA: No original

FOTOGRAFÍA: Stephen Goldblatt (color)

GUIÓN: Patrick Marber, basado en su obra teatral

CRÍTICA:

Dobles parejas

Tras muchos años dando tumbos, entre proyectos alimenticios o directamente fallidos, Nichols vuelve por sus fueros con una de las películas más inteligentes y apasionantes de los últimos años, que debería, junto con "Juegos secretos", formar parte del manual de supervivencia de toda pareja.

Sustentada sobre las impactantes actuaciones de los cuatro protagonistas y eludiendo elegantemente su origen teatral mediante unas elipsis narrativas verdaderamente ingeniosas, nos hallamos ante una cinta embriagadora, arrebatadora, desde el mismo instante en que vemos a Natalie Portman caminar por la calle al ritmo de "The Blower's Daughter". A partir de ahí, la cinta nos guía por los momentos dulces y tormentosos de dos parejas unidas por la infidelidad, los celos, los deseos y la traición, hasta que el círculo vuelve a cerrarse con la misma canción de fondo.

Si bien los cuatro protagonistas, como he dicho, brillan a gran altura, hay que destacar especialmente la soberbia actuación de Clive Owen, brillante por encima de los demás, sobre todo de una Julia Roberts esforzada pero que chirría un poco.

Una pequeña joya.

EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN

TÍTULO ORIGINAL: El lado oscuro del corazón

CALIFICACIÓN: 8

Fecha de visión: de octubre de 2.008

NACIONALIDAD: Argentina, Canadá

AÑO: 1.992

DIRECCIÓN: Eliseo Subiela

INTÉRPRETES: Dario Grandinetti, Sandra Ballesteros, Nacha Guevara, Mario Benedetti, André Mélançon, Jean-Pierre Reguerraz, Mónica Galán, Inés Vernengo, Marisa Aguilera, Hugo Arana, Mariana Baranchuk, Claudia Bedacarratz, Jesús Berenguer, Pablo Brichta, Silvina Chaine

MÚSICA: Osvaldo Montes

FOTOGRAFÍA: Hugo Colace (color)

GUIÓN: Eliseo Subiela, inspirado en poemas de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo

CRÍTICA:

El poeta

Si difícil es plasmar en la pantalla un texto escrito, tanto más cuando el texto en cuestión es un conjunto de poemas, pues se puede caer fácilmente en la pretenciosidad, la cursilería o la languidez, por muy bueno que sea el material de partida. Subiela elude con elegancia estos posibles defectos, hace suyo los poemas de Benedetti y Girondo, y los integra en una gran historia de amor, hasta el punto que parecen expresamente escritos para la película, logrando una obra que es puro verso filmado; verso vivo, ágil, áspero, cortante, nunca lánguido, nunca cursi, de una pretenciosidad sencilla y diáfana.

Gran parte del mérito de esta simbiosis se debe a la extraordinaria interpretación de un enorme Grandinetti, auténtica revelación en su día con esta cinta, en un papel con el que era fácil caer en el ridículo y con el que cautivó más de un corazón. Respaldado soberbiamente por una sorprendente Nacha Guevara y una Ballesteros desbordante de sensualidad, el resultado final es, sin duda, una gran película, que tuvo, años después, una innecesaria y mediocre continuación que, esa sí, caía en todos los posibles peligros que esta eludía.

Sin duda, la mejor película de Subiela.

LA JUNGLA 4.0

TÍTULO ORIGINAL: Live Free or Die Hard

CALIFICACIÓN: 3

Fecha de visión: 7 de octubre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU., Gran Bretaña

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Len Wiseman

INTÉRPRETES: Bruce Willis, Timothy Olyphant, Maggie Q, Justin Long, Cliff Curtis, Mary Elizabeth Winstead, Jonathan Sadowski, Kevin Smith, Andrew Friedman, Yorgo Constantine, Cyril Raffaelli, Christopher Palermo, Sung Kang, Zeljko Ivanek, Christina Chang

MÚSICA: Marco Beltrami

FOTOGRAFÍA: Simon Duggan (color)

GUIÓN: Mark Bomback, basado en un argumento suyo y de David Marconi, inspirado en el artículo "A Farewell to Arms", de John Carlin, y a partir de los personajes creados inicialmente por Roderick Thorp

CRÍTICA:

Demasiado viejo para morir joven

Vaya por delante que, aunque sí he visto la segunda y la tercera entrega de esta franquicia, debo ser, junto con algún aborigen de Papua-Nueva Guinea, de los pocos que aún no han visto la película original, sí, esa, la del rascacielos.

Pero como una película se juzga por sí misma, no por sus precedentes, no creo que me falten elementos de juicio para lamentar que se haya gastado tanto dinero en perpetrar esta absoluta memez, un disparate que confunde el buen cine con la velocidad, absolutamente predecible desde el principio (¿a que el único hacker que se salva es el que cuestiona la legalidad de lo que está haciendo?), con un Willis desatado y -los años no perdonan- renqueante y, ¡por Dios!, con Kevin Smith haciendo de cibergurú.

Al menos, la tercera entrega tenía algo, con los juegos de lógica y Jeremy Irons riéndose de su sombra, pero esto es pura comida basura, con la vieja y calva carne de siempre, pero aderezada con tecnología, internet y carne joven, para atraer a las nuevas generaciones. En fin, que como ya no tengo el estómago para estas cosas, que le aproveche a quien le guste, que yo voy a tomarme un vaso de bicarbonato.