GARRAS HUMANAS

TÍTULO ORIGINAL: The Unknown

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 10 de marzo de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.927

DIRECCIÓN: Tod Browning

INTÉRPRETES: Lon Chaney, Joan Crawford, Norman Kerry, Nick De Ruiz, John George, Frank Lanning, Polly Moran, Bobbie Mack, Louise Emmons, Italia Frandi, Julian Rivero, Billy Seay, John St. Polis

MÚSICA: Muda

FOTOGRAFÍA: Merritt B. Gerstad (blanco y negro)

GUIÓN: Tod Browning y Waldemar Young, basado en la novela "K", de Mary Roberts Rinehart

CRÍTICA:

Corazón de amante, manos de asesino

Sin llegar al nivel de su posterior "Freaks (La parada de los monstruos)" -ver crítica-, Browning ya nos adelantó su obsesión por lo diferente y por lo excepcional en este singular drama romántico con tintes macabros, ambientado, como la citada, en el peculiar mundo del circo.  Esta vez, sin embargo, las simpatías del director no se decantan por el fenómeno de feria, transformado aquí, merced a la algo afectada interpretación de Chaney, en un siniestro y enloquecido asesino.  Pero como nada es completamente blanco o negro en las historias de este original pionero, Browning no puede menos que justificar las acciones de su malvado protagonista por la influencia de una pasión desbordante y de un amor como pocas veces se ha visto en pantalla, llevado hasta su último extremo.

El paso del tiempo no ha sido del todo clemente con esta espeluznante historia de amor, diluyendo gran parte de su potencil inicial, aunque su deterioro puede circunscribirse casi únicamente al apartado interpretativo.  Por lo demás, no puede negarse que nos hallamos ante una obra realmente original y atrayente, que merece un visionado por todo cinéfilo que se precie.

IDENTIDAD

TÍTULO ORIGINAL: Identity

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 10 de julio de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.003

DIRECCIÓN: James Mangold

INTÉRPRETES: John Cusack, Ray Liotta, Amanda Peet, Alfred Molina, Jake Busey, John Hawkes, Clea DuVall, John C. McGinley, Rebecca De Mornay, William Lee Scott, Pruitt Taylor Vince, Carmen Argenziano, Marshall Bell, Leila Kenzle, Matt Letscher

MÚSICA: Alan Silvestri

FOTOGRAFÍA: Phedon Papamichael (color)

GUIÓN: Michael Cooney

CRÍTICA:

La trampa

La primera vez que vi esta película, me pareció un más que notable "thriller", con un final impactante, aunque evidentemente tramposo, pero que me había proporcionado hora y media de entretenimiento sin complicaciones.  Me pareció sorprendente que hubiera pasado sin pena ni gloria y que no hubiera alcanzado mayor relevancia mediática.

Sin embargo, un posterior visionado me hizo variar de opinión, y constaté que el armazón sobre el que se basa esta historia es un mero fuego de artificio para engañar al espectador, una contínua trampa insustancial, un guión que camufla su incompetencia argumental a base de supuestos homenajes y de un final disparatado.

En fin, quedan claras dos cosas: mi carácter ciclotímico y que nos hallamos ante una cinta entretenida pero tramposa a más no poder, que basa todo su atractivo en un guión enrevesado que no supera un segundo pase.

PANDORUM

TÍTULO ORIGINAL: Pandorum

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 18 de marzo de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU. y Alemania

AÑO: 2.009

DIRECCIÓN: Christian Alvart

INTÉRPRETES: Dennis Quaid, Ben Foster, Antje Traue, Cam Gigandet, Norman Reedus, Cung Le, Niels-Bruno Schmidt, Eddie Rouse, Yangzom Brauen, André Hennicke, Friederike Kempter, Asia Luna Mohmand, Delphine Chuillot, Wotan Wilke Möhring, Julian Rappe

MÚSICA: Michl Britsch

FOTOGRAFÍA: Wedigo von Schultzendorff (color)

GUIÓN: Travis Milloy, basado en un argumento suyo y de Christian Alvart.

CRÍTICA:

Y la nave va

Una pena.  Una nave que despega de forma tan prometedora, tan atrayente, que nos hace concebir esperanzas en un viaje lleno de peligros, estimulante.  Una nave que cuenta con los mejores avances técnicos, con una tripulación con una interesante mezcla de juventud y veteranía.  Una nave que parece que nos va a llevar a descubrir un nuevo y apasionante mundo aún por explorar... 

Pero, ¡oh, oh, empiezan a sonar las alarmas!  Y es que no hay nadie en el puente de mando, las órdenes recibidas son confusas, el navegador se ha vuelto loco, hemos perdido el contacto.  Y, claro, poco a poco, la nave se va deteriorando, comienzan a fallar los sistemas, empiezan a chirriar sus elementos, sin nadie que se ocupe del mantenimiento; la tripulación intenta salvar lo que puede, pero no hay forma: ya no nos dirigimos a ese prometido nuevo mundo, cambiamos de rumbo hacia planetas ya descubiertos, colonizados y sobreexplotados.

En fin, una nueva oportunidad perdida para la Humanidad, otra vez será.  Al menos, eso sí, el viaje ha sido entretenido, pero...  Una pena.

EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA

TÍTULO ORIGINAL: The Wind That Shakes the Barley

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 8 de julio de 2.009

NACIONALIDAD: Irlanda, Gran Bretaña, Alemania, Italia, España y Francia

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: Ken Loach

INTÉRPRETES: Cillian Murphy, Liam Cunningham, Pádraic Delaney, William Ruane, Orla Fitzgerald, Gerard Kearney, Mary O'Riordan (tcc Mary Riordan), Mary Murphy, Laurence Barry, Damien Kearney, Frank Bourke, Myles Horgan, Martin Lucey, Aidan O'Hare, Shane Casey

MÚSICA: George Fenton

FOTOGRAFÍA: Barry Ackroyd (color)

GUIÓN: Paul Laverty

CRÍTICA:

Mirando hacia atrás con ira

Sólo en otras dos ocasiones, que yo sepa, ha realizado Ken Loach una película histórica: en la magistral "Tierra y libertad" y en la desconocida "Black Jack".  Normalmente, el director ha preferido situar sus argumentos en la más rabiosa actualidad, dado que, desgraciadamente, podía extraer de ella material más que suficiente para sus más que justificadas denuncias sociales.

La razón por la que, esta vez, prefiere retroceder hasta prácticamente la fundación del I.R.A. no deja de tener su miga: Loach, como siempre, pretende llevarnos hacia su terreno ideológico, y, para ello, debe presentar como justa la causa irlandesa.  No puede -ni quiere- convertirse en portavoz ni propagandista de un grupo terrorista, por lo que debe remontarse a los orígenes de la lucha, cuando las motivaciones eran meramente políticas y de supervivencia, y hasta podían revestirse de un halo de romanticismo, cuando los desmanes de un Imperio Británico todopoderoso y avasallador eran tan evidentes que las simpatías debían por fuerza decantarse hacia el bando más débil.  De esa manera, el director puede obviar un siglo de bombas, asesinatos e intransigencia nacionalista, centrándose en la rebelión justa y comprensible de un pueblo oprimido.  Pero eso, al fin y al cabo, es como justificar la pervivencia de E.T.A. por la opresión franquista, o como disculpar las atrocidades de Israel escudándose en el exterminio nazi.

En fin, dejando de lado el aspecto panfletario -aunque sea difícil-, nos hallamos ante un filme más que correcto, interesante y bien rodado, adecuadamente interpretado por un Cillian Murphy que sabe dotar a su personaje de las dudas y la fragilidad que requiere, pero también de voluntad y decisión, un héroe a su pesar, que termina cayendo en una vorágine de violencia que le repele, pero a la que no puede sustraerse.

Un paladín romántico, en definitiva, que es lo que Loach pretendía mostrarnos, en sus ansías por justificar lo injustisficable.

LUNA NUEVA

TITULO ORIGINAL: His Girl Friday

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 16 de junio de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.940

DIRECCIÓN: Howard Hawks

INTÉRPRETES: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall, Ernest Truex, Cliff Edwards, Clarence Kolb, Roscoe Karns, Frank Jenks, Regis Toomey, Abner Biberman, Frank Orth, John Qualen, Helen Mack.

MÚSICA: Sidney Cutner, Felix Mills y Ben Oakland, todos ellos sin acreditar

FOTOGRAFÍA: Joseph Walker (blanco y negro)

GUIÓN: Charles Lederer, basado en la obra teatral "The Front Page", escrita por Ben Hecht y Charles MacArthur

CRÍTICA:

Primera plana

Aunque en principio me considero un cinéfilo abierto a todos los géneros, parece evidente que existe un tipo de comedia a la que no soy muy afín; me refiero a la llamada "screwball comedy", tan en boga en el Hollywood de los años 30 y 40.  Así, supuestas obras maestras como "La fiera de mi niña", "Historias de Filadelfia" o, en menor medida, la película que nos ocupa, no me parecen más que correctas y sobrevaloradas comedias.  Pero no, no deber ser eso, porque ahí están las maravillosas comedias de Frank Capra, del mismo estilo y condición, y con las que comulgo totalmente.

También puede ser que no termine de conectar con el cine de Howard Hawks, del que sólamente destacaría "Bola de Fuego", algún western y "El enigma... ¡de otro mundo!" (sí, aquí es, nominalmente, sólo productor, pero parece ser que no se limitó a poner el dinero).  El caso, centrándonos en "Luna Nueva" es que donde muchos ven comedia, diversión, crítica y chispa yo no veo más que una aceptable película, que se ve sin problemas, pero que ni siquiera logra arrancarme una sonrisa.

O puede que el problema esté en la historia, ya que tampoco la versión de Wilder me parece nada del otro mundo, y ese sí que me parece un gran director.

Resumiendo, una cinta entretenida, bien hecha e interpretada, pero que no logra ni conmoverme ni divertirme.

EL REFUGIO DE MI PADRE (IN MY FATHER'S DEN)

TÍTULO ORIGINAL: In My Father's Den

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 30 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: Nueva Zelanda, Gran Bretaña

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Brad McGann

INTÉRPRETES: Matthew Macfadyen, Miranda Otto, Emily Barclay, Colin Moy, Jimmy Keen, Jodie Rimmer, Toby Alexander, Vicky Haughton, Nicholas Hayward, Liam Herbert, Vanessa Riddell, Asher Emanuel, Matthew Chamberlain, Peter Hishon, Mabel Wharekawa (tcc Mabel Burt)

MÚSICA: Simon Boswell

FOTOGRAFÍA: Stuart Dryburgh (color)

GUIÓN: Brad McGann, basado en la novela de Maurice Gee

CRÍTICA:

De vuelta a casa

Una película sencilla, sin aspavientos ni pretensiones, basada en unas interpretaciones muy correctas y en un trabajado guión, que adolece de una preocupante falta de ritmo en su tramo inicial, pero que se compensa con un desenlace emotivo y sorprendente.  Sustentada casi en su totalidad por un convincente Macfayden y una deslumbrante Emily Barclay (un valor a seguir), su mayor inconveniente radica en su falta de homogeneidad, en sus constantes altibajos, que provocan que se pierda el interés en más de una ocasión.  Pese a ello, puede dársele una oportunidad.

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO

TÍTULO ORIGINAL: Before the Devil Knows You're Dead

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 24 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU., Gran Bretaña

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Sidney Lumet

INTÉRPRETES: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney, Aleksa Palladino, Rosemary Harris, Michael Shannon, Amy Ryan, Sarah Livingston, Brian F. O'Byrne, Blaine Horton, Lee Wilkof, Arija Bareikis, Leonardo Cimino, Damon Gupton

MÚSICA: Carter Burwell

FOTOGRAFÍA: Ron Fortunato (color)

GUIÓN: Kelly Masterson

CRÍTICA:

Dos hermanos

Voy a tener que dejar de leer las críticas antes de ver una película, porque, al final, siempre me pasa lo mismo: salvo contadas ocasiones, si son malas, el resultado final no me parece tan nefasto como me anticipaban; y, si son buenas, quedo bastante defraudado, preguntándome qué me he perdido que todos los demás han sabido ver.

Este es el caso de la cinta que nos ocupa, que tenía, en principio, todos los ingredientes para convertirse en una de mis películas de cabecera (Lumet, Hoffman, Finney...), que había sido considerado, por votación de los críticos, el mejor filme de su año..., y yo no veo más que un producto correcto, funcional, del montón, bastante menos interesante, por ejemplo, y hablando del mismo director, que "La noche cae sobre Manhattan".  En fin, si tengo ocasión de volver a verla en un pase televisivo, tal vez le dé una segunda oportunidad, pero...

Decididamente, voy a tener que dejar de leer las críticas antes de ver una película...

ZATHURA, UNA AVENTURA ESPACIAL

TÍTULO ORIGINAL: Zathura: A Space Adventure

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 17 de enero de 2.010

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.005

DIRECCIÓN: Jon Favreau

INTÉRPRETES: Jonah Bobo, Tim Robbins, Josh Hutcherson, Dax Shepard, Kristen Stewart, John Alexander, Derek Mears, Douglas Tait, Joe Bucaro III, Jeff Wolfe

MÚSICA: John Debney

FOTOGRAFÍA: Guillermo Navarro (color)

GUIÓN: David Koepp y John Kamps, basado en el libro de Chris Van Allsburg

CRÍTICA:

Juego peligroso

Vamos a ser claros: nos hallamos, no sólo ante una película destinada casi exclusivamente al público infantil (con todo lo que ello acarrea), sino también ante una descarada copia de aquel blockbuster de 1.995 que fue "Jumanji".  Con estos mimbres, era de esperar una decepcionante pseudo-secuela al uso, un bodrio más de usar y tirar realizado meramente para llenar los cines y las arcas de algún avispado productor.

Pues bien, al contrario, nos encontramos con una cinta desbordante de imaginación, mucho más amena y emocionante que aquella estúpida sucesión de efectos especiales que dirigió Joe Johnston y, encima, sin tener que soportar las insufribles muecas de Robin Williams.  En definitiva, un entretenimiento decente y sin pretensiones que logra sorprender pese a sus evidentes limitaciones.

LOS IDIOTAS

TÍTULO ORIGINAL: Idioterne

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 28 de mayo de 2.009

NACIONALIDAD: Dinamarca, Suecia, Francia, Paises Bajos e Italia

AÑO: 1.998

DIRECCIÓN: Lars von Trier

INTÉRPRETES: Bodil Jorgensen, Jens Albinus, Troels Lyby, Anne Louise Hassing, Nikolaj Lie Kaas, Louise Mieritz, Henrik Prip, Luis Mesonero, Knud Romer Jorgensen, Trine Michelsen, Anne-Grethe Bjarup Riis, Paprika Steen, Erik Wedersoe, Michael Moritzen, Anders Hove

MÚSICA: No tiene

FOTOGRAFÍA: Lars von Trier (color)

GUIÓN: Lars von Trier

CRÍTICA:

Cobardes

El bautizo de Lars von Trier en el movimiento que él mismo se había encargado de fundar (en teoría, buscando realizar un cine más puro y sin artificios), y que, más tarde, él mismo se encargó de enterrar, prescindiendo de los puntos de su manifiesto que le incomodaban cuando le convenía, es esta interesante película, en la que el director danés da rienda suelta a su desmesurado afán por polemizar; ese es el mayor handicap de una cinta que olvida a veces su propia razón de ser, supeditándose a la última vuelta de tuerca que se le pasaba por la cabeza a su creador.

Y es que von Trier, un director imprescindible, se mire por donde se mire, capaz de realizar maravillas como "Rompiendo las olas" o "Dogville", egocéntrico y megalómano como sólo los genios saben serlo, se rinde en esta ocasión a la premisa de que el director es la estrella y se olvida del espectador (si este hombre no tuviera en mente constantemente a los críticos y detractores de sus filmes, todos saldríamos ganando), que tiene que soportar todos sus desvaríos, supuestamente revolucionarios y rompedores, para poder disfrutar de un final realmente demoledor, de esos que te dejan clavado en la butaca.

A pesar de todo, pese a lo repetitivo y prescindible de muchas de las escenas, y aunque sólo sea por ese final, merece la pena seguir las vicisitudes de ese grupo de hedonistas disfrazados de revolucionarios, cobardes avergonzados cuando se enfrentan a aquellos que pretenden imitar, cobardes teóricos de la revolución incapaces de llevar sus ideales a la práctica (las similitudes con los progres que pretendían cambiar el mundo en el 68 y que hoy son los mismos que se encargan de mantener el statu quo no son casuales).  Sólo el personaje de Karen (enorme Bodil Jorgensen), inicialmente deslumbrada por la libertad que encuentra, desencantada al fin, pero sin nada que perder, se mantiene firme en sus ideales, regalándonos una de las escenas más escalofriantes de los últimos tiempos.

EL NADADOR

TÍTULO ORIGINAL: The Swimmer

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 7 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.968

DIRECCIÓN: Frank Perry y (sin acreditar) Sydney Pollack

INTÉRPRETES: Burt Lancaster, Janice Rule, Janet Landgard, Tony Bickley, Marge Champion, Bill Fiore, Nancy Cushman, Kim Hunter, David Garfield (tcc John Garfield Jr.), Rose Gregorio, Charles Drake, Bernie Hamilton, House Jameson, Jimmy Joyce, Michael Kearney

MÚSICA: Marvin Hamlisch

FOTOGRAFÍA: David L. Quaid (color)

GUIÓN: Eleanor Perry, basado en un argumento de John Cheever

CRÍTICA:

Nadar solo

Una película hija de su época, coetanea de, por ejemplo, "Cowboy de medianoche" o "Danzad, danzad, malditos".  Y, como estas, la cinta es el fiel reflejo de la amargura y la desilusión de una sociedad norteamericana que ha perdido el rumbo y se ve sobrepasada por los acontecimientos (el movimiento hippie, la guerra de Vietnam, el feminismo, la lucha de la minoría negra por su integración...), incapaz tanto de mantener sus viejas estructuras y reglas como de adaptarse a las corrientes que la sacuden.

En esta coyuntura, "El nadador" es un proyecto relativamente fallido, que no termina de alcanzar las altas cotas que, presumiblemente, perseguía.  Sustentada casi en su totalidad por la más que correcta interpretación de Lancaster, la película se resiente de una dirección a la que le sobra pretenciosidad y le falta garra, con momentos que, vistos hoy, devienen ridículos, y, sobre todo, se ha visto muy afectada por el transcurso de las décadas, que ha hecho que sus plantemientos y estilo queden superados y desfasados.

Sin embargo, y pese a su pretenciosidad y falsa naturalidad, el interés que despierta la historia y los esfuerzos del actor protagonista hacen que, en líneas generales, el recuerdo que nos quede sea de una obra menor pero destacable, que, en otras manos, podría haber dado mucho más de sí.  Una pena.

WALL·E

TÍTULO ORIGINAL: WALL·E

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 1 de febrero de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.008

DIRECCIÓN: Andrew Stanton

INTÉRPRETES: Animación

MÚSICA: Thomas Newman

FOTOGRAFÍA: Animación

GUIÓN: Andrew Stanton y Jim Reardon, basado en una idea original de Andrew Stanton y Pete Docter

CRÍTICA:

Yo, robot

Vi esta película en febrero de 2.009, es decir, seis meses después de su estreno. En todo ese tiempo, tuve ocasión de leer y escuchar apasionadas críticas sobre su calidad y su emotividad, de forma que me dispuse a disfrutarla como la obra maestra que muchos decían que era. Y, claro, pasa lo que pasa, que se parte de unas expectativas tan altas que, después, quedamos francamente decepcionados.

Cierto que "Wall·E", como "Up", pero sin llegar a su nivel, tiene unos primeros diez minutos que son puro cine, con esa descripción del día a día del solitario robot protagonista. Pero, al igual que aquella, esos minutos iniciales son lo mejor de la cinta con mucha diferencia; a partir de la aparición de Eva, la película se decanta por centrarse en su público objetivo (el día que Pixar se decida a realizar un filme exclusivamente para adultos sí puede que nos hallemos ante una obra maestra), y, pese a que la idea en sí no es mala, ni mucho menos, nos movemos ya en terrenos muy trillados, donde se busca más satisfacer a la masa de infantes que, presumiblemente, van a llenar los cines, que redondear un trabajo que prometía mucho pero, me temo, termina por no satisfacer ni a unos ni a otros.

Pese a todo, Pixar sabe lo que se hace, y el resultado final es una cinta nada desdeñable, aunque de las peores de la compañía.

OCURRIÓ CERCA DE SU CASA

TÍTULO ORIGINAL: C'est arrivé près de chez vous

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 28 de diciembre de 2.009

NACIONALIDAD: Bélgica

AÑO: 1.992

DIRECCIÓN: Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde

INTÉRPRETES: Benoît Poelvoorde, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Rémy Belvaux, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Jenny Drye, Malou Madou, Willy Vandenbroek, Rachel Deman, André Laime, Édith Le Merdy, Sylviane Godé, Zoltan Tobolik, Valérie Parent, Alexandra Fandango

MÚSICA: Jean-Marc Chenut y Laurence Dufrene

FOTOGRAFÍA: André Bonzel (blanco y negro)

GUIÓN: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde y Vincent Tavier, basado en un argumento del primero

CRÍTICA:

De profesión asesino

Curiosa, muy curiosa y original esta película belga, un ejercicio de estilo y una crítica mordaz a los medios de comunicación y al encumbramiento que hacen de la violencia y la barbarie, en nombre de la libertad de información, de la cuota de pantalla y por encima de cualquier consideración ética. Rodada con cuatro duros y tan actual como cuando se rodó, hay que destacar la maravillosa actuación de su protagonista, que logra casi conmover en su inmisericorde rol de asesino por vocación.

Una cinta a descubrir.

BOMBÓN: EL PERRO

TÍTULO ORIGINAL: Bombón: el perro

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 16 de marzo de 2.009

NACIONALIDAD: Argentina, España

AÑO: 2.004

DIRECCIÓN: Carlos Sorin

INTÉRPRETES: Juan Villegas, Walter Donado, Rosa Valsecchi, Mariela Díaz, Sabino Morales, Claudina Fazzini, Kita Ca, Carlos Rossi, Leda Cacho, Micol Estévez, Diego Rozas Denis, Andrea Suárez, Adrián Giampani, Carlos Aguirre, Pascual Condito

MÚSICA: Nicolas Sorín

FOTOGRAFÍA: Hugo Colace (color)

GUIÓN: Carlos Sorin, Salvador Roselli y Santiago Calori

CRÍTICA:

Un hombre y su perro

Carlos Sorin nos devuelve, en esta película, a los mismos paisajes, situaciones y gentes que poblaban el universo mínimo de su anterior filme; carreteras que suponen más una huída del pasado que un lugar a donde ir, pobladas de personajes cotidianos, incapaces de grandes gestas, pero cuya bondad o miseria, por pequeña que sea, influyen y condicionan la vida de sus semejantes, personas como tú o como yo.

El problema con esta película es doble. En primer lugar, lo dicho: la repetición de un microcosmos que ya conocemos y que ya no sorprende tanto. Pero, sobre todo, el hecho de que la historia que nos cuenta Sorin no cala tanto como cualquiera de las que nos narró en su anterior cinta. Es más, parece una ampliación innecesaria de uno de aquellos episodios mínimos que tanto nos conmovieron.

Pero, pese a ello, no podemos obviar que nos hallamos ante una película emotiva y, como es norma de la casa, magníficamente interpretada por actores no profesionales, que viven sus respectivos roles tal y como viven sus vidas, con sinceridad, honestidad y esperanza, con una inquebrantable fé en el prójimo que, desgraciadamente, ya en tiempos de Capra (con el que Sorin comparte más de lo que parece) nos resultaba difícil de creer y que, hoy por hoy, parece casi inverosímil.

TENER Y NO TENER

TÍTULO ORIGINAL: To have and have not

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 27 de octubre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 1.944

DIRECCIÓN: Howard Hawks

INTÉRPRETES: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Walter Brennan, Hoagy Carmichael, Dolores Moran, Dan Seymour, Sheldon Leonard, Walter Molnar (tcc Walter Szurovy), Marcel Dalio, Walter Sande, Aldo Nadi, Janette Grae, Paul Marion, Patricia Shay, Emmett Smith

MÚSICA: Franz Waxman y William Lava (ambos, sin acreditar)

FOTOGRAFÍA: Sid Hickox (blanco y negro)

GUIÓN: Jules Furthman, William Faulkner, Cleve F. Adams y Whitman Chambers (los dos últimos, sin acreditar), basado -sin acreditar- en la novela de Ernest Hemingway

CRÍTICA:

No se puede tener todo

Esta película tiene su origen, al parecer, en la amistad que unía a Hawks y Hemingway, cuando, en una de esas noches de parranda, el director le aseguró al escritor que sería capaz de hacer una gran película hasta de su peor historia, y le puso como ejemplo "Tener y no tener", ofreciendose para comprarle los derechos y demostrarle su aseveración. Hemingway rechazó la oferta, pero, años después, por dificultades económicas, no tuvo más remedio que recordarle a Hawks su ofrecimiento. No hay más que ver los resultados para comprobar que, desgraciadamente, el director no pudo cumplir lo que había prometido.

Y es que nos hallamos ante un clásico, sí, pero más por la historia que rodea al filme que por la cinta en sí. La relación Bogart-Bacall, el romance entre Hawks y Morán, el cambio de ambientación de Cuba a Martinica, para no molestar al gobierno de La Habana, la presencia de Faulkner como guionista... Todo ello forma, más o menos, parte de la historia del Cine, pero no debemos por ello encumbrar una obra sólo relativamente lograda, que intenta descaradamente repetir el éxito que había logrado "Casablanca" dos años antes (las similitudes son tan evidentes que resulta inutil destacarlas), y donde lo único a destacar realmente es la química entre los protagonistas y las actuaciónes de Brennan y Seymour.

En fin, un clásico sobrevalorado.

EL CASO SLEVIN

TÍTULO ORIGINAL: Lucky Number Slevin

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 17 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: Alemania, EE.UU.

AÑO: 2.006

DIRECCIÓN: Paul McGuigan

INTÉRPRETES: Josh Hartnett, Morgan Freeman, Ben Kingsley, Stanley Tucci, Bruce Willis, Lucy Liu, Michael Rubenfeld, Mykelti Williamson, Peter Outerbridge, Danny Aiello, Kevin Chamberlin, Robert Forster, Dorian Missick, Scott Gibson, Daniel Kash

MÚSICA: J. Ralph

FOTOGRAFÍA: Peter Sova (color)

GUIÓN: Jason Smilovic

CRÍTICA:

Un padre en apuros

Al finalizar esta película, que, debo reconocerlo, no vi con la debida atención -el ser padre, que te roba mucho tiempo-, me quedé con la duda de si acababa de presenciar un muy interesante "thriller", heredero del mejor Tarantino, o si me acababan de tomar el pelo. Sí, la cosa está muy elaborada, con un guión lleno de recovecos y que dibuja varios personajes interesantes, y, además, cuenta con el típico final sorpresa (por llamarlo de alguna forma), pero me quedo con la duda -el ser padre, que no te deja prestar atención- de si es todo fuego de artificios o realmente hay algo salvable en tanta parafernalia y tanto diseño.

Por si acaso, dejémoslo en un aprobado alto, y démosle otra oportunidad, a ver si puedo prestarle más atención la próxima vez que la emitan por televisión. O mira, mejor no -el ser padre, que te hace ser muy exigente con la forma en que gastas tu escaso tiempo de ocio.

EL ESPÍA

TÍTULO ORIGINAL: Breach

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 2 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Billy Ray

INTÉRPRETES: Chris Cooper, Ryan Phillippe, Laura Linney, Dennis Haysbert, Caroline Dhavernas, Kathleen Quinlan, Gary Cole, Bruce Davison, Jonathan Watton, Mary Jo Deschanel, Tom Barnett, David Huband, Catherine Burdon, Jonathan Potts, Scott Gibson

MÚSICA: Mychael Danna

FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto (color)

GUIÓN: Billy Ray, Adam Mazer y William Rotko, basado en un argumento de los dos últimos

CRÍTICA:

Doble agente

Siguiendo la estela de su anterior filme, "El precio de la verdad", donde ya adelantaba las líneas generales del que, espero, será su estilo, Billy Ray nos ofrece una película seria y comedida, basada más en los personajes que en la acción, y que, paradójicamente, supone una novedad en un universo, el del actual cine de Hollywood, poblado de estilistas de la velocidad y videocliperos (perdón por la palabra) con Parkinson.

Sustentada sobre el extraordinario trabajo de Chris Cooper, un excelente actor que merece mayor reconocimiento y que aquí, sencillamente, borda su interpretación, la cinta, sin ser ninguna maravilla, supone un buen intento de hacer cine clásico, a la antigua usanza, sencillo y digno, rehuyendo de efectismos inutiles. No lo logra, porque a la composición le falta algo de garra y se pierde en su propia sobriedad, pero es de agradecer el esfuerzo.

LOS FALSIFICADORES

TÍTULO ORIGINAL: Die Fälscher

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 1 de noviembre de 2.008

NACIONALIDAD: Austria, Alemania

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Stefan Ruzowitzky

INTÉRPRETES: Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt, Tilo Prückner, Lenn Kudrjawizki, Norman Stoffregen, Bernd Raucamp, Gode Benedix, Oliver Kanter, Dirk Prinz

MÚSICA: Marius Ruhland

FOTOGRAFÍA: Benedict Neuenfels (color)

GUIÓN: Stefan Ruzowitzky, basado en el libro autobiográfico de Adolf Burger "The Devil's Workshop"

CRÍTICA:

Dinero sucio

Interesante filme, que aborda uno de los episodios menos conocidos de un tema ya tan tratado en el cine como es el exterminio judio durante la II Guerra Mundial: el de un grupo de prisioneros de un campo de concentración que trabajó para los nazis falsificando dinero aliado. La película plantea el dilema de si es lícito colaborar con quien está exterminando a tu propio pueblo para mantener unos privilegios que te permitan sobrevivir al holocausto que te rodea, mirando hacia otro lado mientras intentas mantenerte con vida, aún sabiendo que tu labor está haciendo más fuerte al enemigo. Valor frente a instinto de supervivencia, rebelión frente a sumisión, ambos planteamientos se nos presentan como comprensibles en una situación límite, ante la que es fácil juzgar desde la comodidad de una butaca de cine.

Precisamente intentando ser objetivo, el director y guionista nos presenta la cuestión con un distanciamiento que, a la larga, afecta al resultado final desfavorablemente, consiguiendo que no nos impliquemos en lo que se nos narra de forma tan fría y desapasionada. Y es que, aunque sea de agradecer que no se nos pretenda convencer con descaradas artimañas sensibleras (qué se yo, mediante una niña con un vestido rojo en una película en blanco y negro, por poner un ejemplo), la gelidez que desprende esta cinta logra que nos desvinculemos y asistamos impasibles a unos hechos que deberían conmovernos e impactarnos.

Pese a todo, es recomendable.

EN QUÉ PIENSAN LAS MUJERES

TÍTULO ORIGINAL: What Women Want

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 6 de octubre de 2.009

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.000

DIRECCIÓN: Nancy Meyers

INTÉRPRETES: Mel Gibson, Helen Hunt, Marisa Tomei, Alan Alda, Ashley Johnson, Lauren Holly, Mark Feuerstein, Judy Greer, Delta Burke, Bette Midler, Valerie Perrine, Sarah Paulson, Ana Gasteyer, Lisa Edelstein, Loretta Devine.

MÚSICA: Alan Silvestri

FOTOGRAFÍA: Dean Cundey (color)

GUIÓN: Josh Goldsmith y Cathy Yuspa, basado en un argumento de ellos dos y Diane Drake

CRÍTICA:

Lo que piensan las mujeres

Comedia de tintes e intenciones clásicas, protagonizada por un sorprendente y realmente magnífico Gibson, absolutamente perfecto en su papel de seductor reconducido a la ¿buena? senda. La cinta se beneficia de un guión original y francamente divertido al que, desgraciadamente, no se le saca todo el partido que a priori tenía, al tener que supeditarse el argumento al pensamiento políticamente correcto.

Y es que, en una sociedad que confunde la igualdad con la paridad, y donde la discriminación positiva se considera un avance, a lo máximo que se puede llegar en una película que refleja la lucha de sexos -que no de géneros, a ver si el poder legislativo le echa un vistazo al diccionario de vez en cuando- es a demostrar que el hombre clásico, estilo "Mad Men", es un anacronismo condenado al fracaso sentimental, profesional y familiar, que sólo encontrara la redención bajo el amparo y la tutela de la muy preparada fémina de turno. Lo malo del caso es que dicha mujer sólo parece triunfar cuando adopta el rol del hombre como propio, cuando se masculiniza; en el resto de los casos, según los avispados guionistas de esta cinta, los sentimientos -algo puramente femenino, al parecer- impiden el desarrollo personal y laboral.

En fin, que, en otras épocas, y protagonizada por Rock Hudson y Doris Day, estaríamos hablando de una comedia mucho más machista, sin duda, pero también más redonda, al no tener que intentar lidiar con tanto colectivo al borde de un ataque de nervios. Pese a todo, una cinta muy entretenida.

EN EL VALLE DE ELAH

TÍTULO ORIGINAL: In the Valley of Elah

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 12 de octubre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Paul Haggis

INTÉRPRETES: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon, Jason Patric, James Franco, Josh Brolin, Barry Corbin, Frances Fisher, Rick Gonzalez, Jonathan Tucker, Wes Chatham, Zoe Kazan, Jake McLaughlin, Mehcad Brooks, Wayne Duvall

MÚSICA: Mark Isham

FOTOGRAFÍA: Roger Deakins (color)

GUIÓN: Paul Haggis, basado en un argumento suyo y de Mark Boal

CRÍTICA:

En el nombre del hijo

Otra película cuya crítica escribo casi un año después de haberla visto. ¿Qué recuerdo me queda de este "En el valle de Elah"? Pues, esencialmente, el de la soberbia actuación de una Susan Sarandon ya -por desgracia- prácticamente retirada y, en menor medida, la de un Tommy Lee Jones, a mi modesto entender, ligeramente forzado.

Será que por aquel entonces todavía no era padre (he ahí la causa de mi retraso, para aquellos que me preguntan), o será que Haggis no logra emocionar a pesar de contar con todos los mimbres para ello, el caso es que la película no logró calar hondo en mí. No puede negarse que es un producto decente y digno, pero, evidentemente, de pretensiones mucho mayores que los resultados, amén de demasiado patriotero para mi gusto.

En fin, que se ve, se disfruta y se olvida, como tantas.

COMETAS EN EL CIELO

TÍTULO ORIGINAL: The Kite Runner

CALIFICACIÓN: 6

Fecha de visión: 12 de octubre de 2.008

NACIONALIDAD: EE.UU.

AÑO: 2.007

DIRECCIÓN: Marc Foster

INTÉRPRETES: Khalid Abdalla, Atossa Leoni, Ahmad Khan Mahmoodzada, Shaun Toub, Zekeria Ebrahimi, Sayed Jafar Masihullah Gharibzada, Saïd Taghmaoui, Mir Mahmood Shah Hashimi, Homayoun Ershadi, Nabi Tanha, Elham Ehsas, Bahram Ehsas, Tamim Nawabi, Mohamad Nabi Attai, Mohamad Nadir Sarwari

MÚSICA: Alberto Iglesias

FOTOGRAFÍA: Roberto Schaefer (color)

GUIÓN: David Benioff, basado en la novela de Khaled Hosseini

CRÍTICA:

Atrapado por su pasado

Superficial y muy hollywoodiense acercamiento al Afganistán anterior a la intervención internacional, la película está basada en una novela escrita por un exiliado afincado en EE.UU. El resultado, al estilo de lo que Andy García hizo en "La ciudad perdida", el previsible: una emocionante historia de amistad entre dos niños, que sirve como excusa para mostrarnos las maldades del régimen talibán y justificar, de paso, la ocupación del país, sobre todo ante el público estadounidense. Todo ello, barnizado con una puesta en escena y unas intenciones "poéticas", que, en ocasiones, resultan pelín cargantes. La nominada banda sonora de Alberto Iglesias es de lo mejor del filme, pero, sin embargo, y a pesar de sus esfuerzos, no me parece de sus trabajos más conseguidos.

Por lo demás, nada nuevo bajo el sol; un producto que consigue mucho menos de lo que pretendía, aunque no exento de calidad, pero que, en el fondo, no es más que mera propaganda encubierta.